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David Fonseca: El circo luso.

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“Un pequeño detalle puede convertirse en una gran canción”.

David Fonseca (Leiria, Portugal, 1974) es un ídolo en Portugal y más después de haber formado parte de Silence 4. Pero su carrera en solitario ha sido, sin duda, la culpable de tener un éxito más allá de las bandas colectivas. El luso habló con Carlos H. Vázquez en Madrid, cuando la primavera florecía, para hablar de “Seasons: Rising” (Universal, 2012). Pero ambos conversadores sabían que la segunda cita era segura al conocerse la segunda parte del proyecto: “Seasons: Falling” (Universal, 2012). Pero eso sería en otoño e invierno, cuando el naranja se empieza a confundir con el blanco.

TEXTO: CARLOS H. VÁZQUEZ.

Publicada en Cambio 16

“Seasons” es en sí un todo. O sea, se compone de dos partes: “Rising” y “Falling”.
Así es. Cuando empecé a componer el disco y los temas, vi que había demasiadas canciones, ¡muchísimas! Por eso mismo decidí separarlo.

¿Pero se grabaron todas a la vez?
No. Al ver que tenía tantos temas, preferí grabar unos para sacar “Rising” y dejar los otros para el futuro, siguiendo una especie de time-line entre uno y otro.

Los títulos… ¿tienen que ver con los estados de ánimo?
Sí, por supuesto. Cuando grabas un disco por primera vez, de alguna manera, te entusiasmas y emocionas mucho más. Así me pasó con mi primer disco, por lo que “Rising” muestra una cierta ansiedad y ganas por sacar algo nuevo. Por otro lado, grabé las canciones entre la primavera y el verano mientras estaba de gira. Igual es también por eso por lo que te pueden dar esa sensación.

Se grabó en gira, pero me pregunto si también se compuso en ese tiempo.
Lo compuse en casa de manera tranquila.

Entonces imagino que “Falling” será distinto.
Es mucho más relajado e introspectivo que “Rising”, desde luego. Mientras que uno de los discos está visto desde el lado feliz de la vida, el otro tiene ese punto más interiorizado.

002Ya que estamos hablando de interiorizar… En el libreto vienen las fechas en las que se compusieron las canciones, pero es curioso que ninguna se compusiera en tu cumpleaños, que es el 14 de Junio. ‘Heavy heart’ es del 8 de Junio y ‘Armageddon’ del 26 de Junio.
(Risas) Muy buena pregunta. Es cierto que no grabé nada el día de mi cumpleaños, pero la verdad es que no elijo cuándo voy a grabar una canción. Ojalá pudiera hacerlo. Igual estoy mucho tiempo con ideas y lo mismo estoy otro sin que me vengan ideas a la cabeza. Es posible que el hecho de no haber grabado nada en mi cumpleaños sea algo casual, pero también es casual que me venga la inspiración ya que siempre estoy abierto a ella. Y bueno, en mi cumpleaños estoy reunido con mis amigos de fiesta o tomando algo, así que no es el momento más adecuado para grabar.

¿Conoces “Alta fidelidad” o “31 Canciones” de Nick Hornby?
¡Claro!

Es que encuentro cierta relación con “Seasons”…
Puede ser ya que hay similitudes entre el personaje del libro (y de la película) conmigo. Me identifico muchísimo con el personaje de Rob Gordon, con su entorno, la música que forma parte de su vida y el significado que tiene para él, las letras, las canciones… Cualquier músico que ame la música se debería de sentir identificado con lo que sucede en esa historia. Y siéndote sincero, paso más tiempo escuchando música que haciéndola.

¿Tiene eso que ver con que ‘What life is for’ sea tan diferente a sus hermanas?
Bueno, la elección de ‘What life is for’ como single es debido a que hacía muchísimo tiempo que no componía un disco entero. Normalmente grababa y elegía el single para después terminar el disco. En este caso no ha sido así. Probablemente la elección del single ha sido más difícil que en anteriores ocasiones. Hubo muchas opiniones a la hora de hacer la selección aunque al final la elección corrió de mi cuenta. Suena tan diferente…

¿Querías que te vieran de otra manera?
Totalmente, sobre todo en Portugal. Buscaba diferenciarme de alguna manera, incluso no quería ser esclavo de mi imagen. La intención era hacer algo que sorprendiera. ‘What life is for’ es también el primer tema que hago en los conciertos y, sorprendentemente ha tenido mucho éxito. Eso demuestra que no siempre tienes que hacer algo esperado por todos, sino que lo conveniente es sorprender con algo que no conocen de ti. Se puede ser innovador y tener éxito.

‘Under the willow’ es, por su parte, la canción que abre “Rising”. De hecho, es el segundo single. Una primera canción en un LP debería ser también rompedora.
Fue una casualidad porque, como bien has dicho antes con las fechas, ‘Under the willow’ fue la primera canción que hice. Pero ciertamente, cuando hago canciones nunca pienso en si van a ser singles potenciales o no. Además, creo que son dos cosas totalmente diferentes; primero hay que hacerlo y luego tomar las decisiones comerciales. También te diré que es una canción más alegre y convencional, con mucha facilidad para quedarse en la memoria de la gente. Realmente quería empezar el disco de una manera positiva ya que suelo ser más pesimista y melancólico… a nivel musical, claro.

Algunas canciones son animadas, ¿pero es posible que exista algún incidente en esas vivencias? ‘Armageddon’ parece indicarlo, aunque ‘Every time we kiss’ lo señala mejor. La situaría mejor en “Falling”.
Tienes razón, pero no sé muy bien por qué hay canciones que no me terminaron de gustar para el disco. Es una balada que no termina de serlo, ¿sabes? Empieza de manera lenta pero luego toma otra dirección que encaja mejor en la línea musical del álbum. Me encanta jugar con ese tipo de cosas y con el universo que recrean. Reconozco que ‘Every time we kiss’ puede ser triste y depresiva.

¿Hay guitarras de 12 cuerdas o alguna Rickenbacker en esa canción? Tiene un sonido muy de los 80, muy Simple Minds…
Efectivamente, hay guitarras de 12 cuerdas, aunque no soy yo el que las toca, sino mi guitarrista, el cual tuvo la idea de tocarlas para llevar el sonido de la canción a otra década. Una idea que me entusiasmó, por cierto.

¿Quedaron versiones alternativas de todas las canciones?
Te pondré el ejemplo de la última canción, ‘I would have gone and loved you anyway’. Es una canción con muchas guitarras, pero al compuse al piano. Cada tema empieza de la nada y yo trabajo solo. Entonces, si yo tuviera una banda a mi alrededor es posible que hubiera otro tipo de sonido desde el primer momento. Pero como te digo, todo empieza conmigo en solitario al piano o a la guitarra. Desde ahí tengo que dirigir la canción, pero es algo que muchas veces resulta complicado de hacer. Suelo tenerlo claro, en ese sentido, así que las canciones evolucionan mucho desde que empiezan hasta que quedan en el disco.

¿Hay algún tema más?
Sí, el single se hizo con el piano.

Y ‘The beating of the drums’ termina con caos, como el ‘A day in the life’ de The Beatles.
La referencia a The Beatles es acertada aunque no pensé en esa canción exactamente. Diría que tiene un ritmo muy del estilo de Paul McCartney. Es una canción también muy distinta a las del resto del disco. Normalmente el piano está en un segundo lugar, pero esta vez pasa a un primer plano para permanecer constante. Ha evolucionado mucho hasta su final, sobre todo en la parte más extraña, esa que dices, y me encanta que las canciones convencionales tengan siempre algún defecto que sorprenda. Imaginé la canción en el directo y cómo podría sorprender para que la gente estuviera en otra dimensión.

¿‘Go dance all night’ es una canción para olvidar, como hace el alcohol?
(Risas) No, todo lo contrario. Si escribo canciones es para recordar. Tengo una memoria terrible y acabo olvidando cosas muy importantes, así que al hacer las canciones memorizo mucho mejor las cosas. Las canciones me sirven constantemente para hacer de los recuerdos algo más vívidos.

Eso me lleva a pensar que tus discos se nutren de la memoria selectiva.
(Risas) En cierto modo todos somos selectivos en la vida. Yo hablo de las cosas de manera muy personal, que es lo que tengo que hacer. Así veo mejor todo y lo selecciono para centrarme muchísimo mejor en lo que hago. Creo que es importante ser conciso y ser detallista: los detalles lo son todos y un pequeño detalle puede convertirse en una gran canción. En mis letras no hablo de cosas muy grandes porque en realidad no hace falta hablar tanto de ellas, sino que lo importante de verdad está en las cosas pequeñas. Ya sabes, esas cositas que pasan de largo cada día… y que no contemplamos.

003Si “Rising” muestra la avidez por hacer nuevas canciones, ¿“Falling” muestra la pesadumbre al poner fin a las canciones?
Supongo que la emoción de hacer canciones es siempre la misma a través de todo el proyecto. Las razones que me llevaron a cada álbum eran diferentes y tal vez por eso son tan diferentes de muchas maneras. “Rising” es un aventura, iniciarse en la vida, como empezar algo por primera vez, la emoción de todo. “Falling”, en cambio y como te decía, es mucho más acerca de mirar hacia adentro y la búsqueda de respuestas; echar un vistazo a lo que ha fallado.

¿Has vuelto a grabar en la gira? “Falling” fue grabado en gira, aunque las canciones fueron compuestas en tu casa.
Sí, fue muy difícil, pero lo logré. En las demos, la mayoría de las canciones estaban muy cerca de lo que iban a sonar al final, así que no fue un complicado llegar allí.

Antes lo has dicho, pero quiero remarcarlo y profundizar. ¿Un pequeño detalle puede convertirse en una gran canción?
Por supuesto. Realmente creo que los pequeños detalles y sucesos de menor importancia son grandes potenciadores para escribir y lograr un buen sonido, sobre todo porque permanecen más escondidos y silenciosos en el tiempo. Hacer una canción sobre las cosas simples de la vida puede ser una tarea enorme, pero realmente creo que la verdadera belleza siempre se encuentra en los pequeños detalles.

‘Armageddon’ y ‘Every time we kiss’ (“Rising”) encajan mejor en “Falling”, pero ‘Queen of the golden sounds’ y ‘It means I love you’ suenan muy felices. ¿Son esas dos canciones un puente entre “Rising” y “Falling”?
Nunca lo vi de esa manera. Quiero decir, los álbumes fueron escritos en secuencia, como un diario, así que nunca sabía realmente lo que vendría después. Las canciones terminan yendo de un lugar a otro en cuestión de segundos, de acuerdo con mis estados de ánimo y los pequeños dramas y alegrías de mi vida cotidiana.

Por cierto, grandiosas voces femeninas las de ‘Monday, Tuesday, Wednesday…’ y ‘It shall pass’. Creo que le dan un toque melancólico al álbum.
Sí, creo que Mallu Magalhães y Sobral Luisa son dos compositoras y cantantes increíbles. Es un honor tenerlas en este disco. Dan voz a la contraparte de estas historias, algo que realmente me gusta hacer en mis canciones.

¿Crees que este LP es demasiado pesimista?
No, en absoluto. Creo que tiene algunos altibajos, pero yo no lo consideraría sombrío. Creo que hay mucho de nostalgia en “Falling” y un montón de emoción en “Rising”. Hay algo de equilibrio en todo ello.

Pero creo que ‘I’ll see you in my dreams’ es perfecta. Refleja perfectamente el otoño, el color de las hojas, el tiempo y… ¿las sensaciones de la música?
Es la última canción del proyecto y también una de las canciones más duras de todo el proyecto puesto que se ocupa de hablar sobre la ausencia y la pérdida. Nunca tuve la intención de hacer que sonara dentro de una temporada específica, pero creo que podría estar influenciada por los fríos días de invierno.

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Lambchop: A media noche.

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“Necesitaba tomarme un tiempo para saber cómo continuar”.

Son las tantas de la madrugada, y aunque todavía era verano, la noche había bajado algunos grados. No así el whisky que presidía la mesa, justo al lado del ordenador portátil por el que se estaba llevando a cabo la comunicación entre el entrevistador (en España) y el entrevistado (desde algún remoto lugar de Estados Unidos). Kurt Wagner, el espíritu de Lambchop, también estaba dispuesto a no dormir pese al cambio horario. De hecho, “Mr. M” (Merge, 2012) hace que la música no pegue ojo por Vic Chesnutt.

TEXTO: CARLOS H. VÁZQUEZ.

Publicada en Popular 1 / Nº 469, Noviembre 2012

Usted ha dicho que “Mr. M” habla sobre el amor que se descubre después de perderlo. Ya sabe, como el niño que ignora el juguete hasta que lo tiene otra persona.
Bueno, no creo que sea eso exactamente lo que pienso en todo lo relacionado a este disco. La idea es que la pérdida no nos hace “perder” (valga la redundancia), sino que nos une más a todos debido a que apreciamos más a las personas que tenemos cerca. Es lo que hace que nuestros seres queridos permanezcan juntos.

Ya, pero también es cierto que no se habla sobre el amor en sí en discos como “Nixon” o “Thriller”.
Hablo de amor todo el tiempo, siempre lo he hecho. Sólo traté de evitar la palabra en sí misma. ¿Sabes? Todo el mundo la utiliza y está sobrevalorada. De ese modo, pensé que si yo trabajaba un poco más, ahondando en ello, daría con otras palabras y maneras de expresar esa idea.

¿Por qué ahora se habla entonces del amor? ¿Tiene que ver con la experiencia y la edad?
He utilizado la palabra aquí, en este disco, porque nunca antes había intentado realmente construir el significado de esa manera. Fue una oportunidad idónea para probarme a mí mismo.

‘Never My Love’ por ejemplo, es más evidente.
Eso es, veo que lo has entendido. Es una forma más directa de llegar a utilizar la palabra y la idea que trato de exponer. E incluso esa canción se refiere al concepto del no-amor.

Entonces habría que diferenciar los conceptos de amor que hay en “Mr. M” respecto a “Is A Woman” aunque tengan cierta relación. ¿Un nuevo concepto para montar una historia?
Es algo que suele ocurrir a veces cuando haces discos, pues tienes que crear material que de alguna forma se relacione entre sí con algunos aspectos importantes de otros trabajos. Pero cuidado, porque tampoco sucede con todos. Aún así, los discos especiales son algunos de esos oasis en donde las cosas encajan entre sí y parecen estar conectadas.

Y eso que usted quería que este disco sonara a banda. Aunque la composición es toda suya.
En realidad, tampoco me importaba si sonaba o no como una banda de verdad. Se trataba de centrarnos en las canciones y de cómo nos sentíamos para hacerlas sonar. Gracias a eso, en directo suenan a banda.

Por cierto, excepcional contribución de Cortney Tidwell como parte de la banda y en el bonito proyecto de KORT.
Cortney ha sido parte de la escena independiente de Nashville desde hace mucho tiempo. Es una cantante increíble y fue un honor trabajar con alguien con tanto talento como ella. Como bien sabes, ella y yo formamos juntos KORT y sacamos “Invariable Heartache”. Desde entonces es parte de la familia.

Supongo que todo esto le alentó para volver a la música.
Tal vez…

¿La muerte del Vic Chesnutt le hizo cuestionar la música como forma de comunicación?
La verdad, Carlos, es que pasé por un momento muy difícil después de la muerte de Vic. Tuve que lidiar con aquella situación y mil cosas que rondaban por mi cabeza. Sin duda te digo que necesitaba tomarme un tiempo para saber cómo continuar. Tenía que encontrar una nueva manera de proceder. Este disco, “Mr. M”, fue mi camino.

Mark Nevers también tuvo algo que ver, ¿no?
Sí. Mark estaba cerca de Vic, así que era algo que ambos tuvieron que comerse.

¿Quién llamó a quién?
Me llamó para grabar de nuevo, pero realmente no hablamos mucho acerca de esos sentimientos hasta que estuvimos a punto de dar por terminado el disco. Él se salió con la suya, yo también.

Si no me equivoco, Mark quería instaurar el sonido de Sinatra en “Mr. M”.
Correcto. Mark tenía la idea de cómo lograr técnicamente ese sonido. Sólo hacía falta tener las canciones adecuadas.

¿Cuál diría que es la canción que representa mejor ese sonido? Por ahí están ‘Gone Tomorrow’ y ‘Gar’.
Yo diría que el tema que más se ajusta a ese sonido es ‘If Not I’ll Just Die’.

Es que esa canción tiene unos arreglos de cuerda cojonudos, Kurt. Casi de Jazz.
Es cierto que hay un poco de eso ahí, pero éramos conscientes de que tal vez no somos ‘músicos de Jazz’ como tal, por lo que no íbamos a pretender llevar el sonido por ese camino.

Nada como conocer las propias limitaciones de cada uno, ¿eh?
Exacto.

Claro que, las reuniones entre usted y Nevers tenían que ser tremendas. Así, sin pretensiones.
Nos lo hemos pasamos muy bien haciendo este disco, pero no creo que ninguno de nosotros dos jamás se preocupara de experimentar más o menos o de trabajar en el mejor disco que se pudiera hacer.

Bueno, supongo que su pasión por la pintura ha dado forma (de alguna manera) a la creación.
Es que tengo una pasión enorme por la pintura… Es increíble, de verdad. Y sí, has acertado totalmente, pues de alguna forma, la pintura aparece también en este disco.

Aunque me pregunto si no está cansado… pese a todo lo hablado en esta entrevista.
¿Puedo serte franco?.

Por supuesto.
Mira, Carlos, yo hago lo que puedo, pero me gustaría hacer más, la verdad. Espero hacerlo, de hecho.

Gary Louris (The Jayhawks): Vuelo raso.

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“El futuro de la banda es incierto y no está nada claro”.

Ya ha pasado poco más de un año desde que The Jayhawks se reunieran para editar “Mockingbird Time” (Rounder Records, 2011) y salir a la carretera. La promesa de un regreso estable se hacía más interesante según se desarrollaban los acontecimientos. Parecía que todo estaba correcto entre Gary Louris y Mark Olson, pero después de charlas con Louris, las cosas no quedan tan claras, tanto en las relaciones entre ellos dos como con el futuro de la banda.

TEXTO: CARLOS H. VÁZQUEZ.

Publicada en Popular 1 / Nº 469, Noviembre 2012

“Mockingbird Time”, el primer disco en el que vuelves a coincidir con Mark Olson bajo el nombre de The Jayhawks desde “Tomorrow The Green Grass”, ¿se convirtió en un regreso o en una manera de saldar cuentas?
No, no había cuentas que saldar. Simplemente me apetecía tocar y hacer música con la gente que quiero. Todavía estamos esperando el regreso de ciertas sensaciones, pero otras han vuelto, tal y como esperábamos. Además, parte del encanto de esta vuelta radicó en la espera, ¿no? Pero en fin, esto es arte y no hay nunca una respuesta correcta o incorrecta cuando se trata de colaborar con ello.

¿Qué tal fueron los primeros ensayos y la posterior grabación? Me imagino que sería algo complicado y duro.
Sí, y todavía lo son. Hay una norma no escrita en el negocio de la música que se describe con las siglas G.G.B.B.: Good guys, bad band (buenos chicos, mala banda). Viene a significar que si sus componentes se llevan perfectamente, sería más como un grupo de viajeros que una banda propiamente dicha. Hay una cierta necesidad en provocar algún tipo de tensión para crear música, y en The Jayhawks estamos juntos por el amor y por el respeto.

Habrá que agradecérselo también a vuestros mánagers en España, ¿no?
Definitivamente, tenemos mucho que agradecerle a David Jiménez-Zumalacarregui, Juan Santaner y a Marc Piacanyol por conseguir que la banda volviera a España y por todas las cosas buenas que sucedieron en aquel viaje. Viaje en el que, por cierto, la revista Mondo Sonoro perdió mucho dinero, aunque abrió el mercado a nuestra banda.

Lo cierto es que haber grabado en el mismo local de ensayo (como hacían The Beatles) ha hecho que “Mockingbird Time” sonara bastante compacto.
En cierto modo… sí. Nosotros, al igual que The Beatles, no utilizamos el estudio para grabar lo que traíamos del local, sino que utilizamos el estudio de grabación como si fuera un local de ensayo. Así se concentra todo.

Sin olvidar la producción por tu parte, algo que querías hacer casi por cuestiones personales. ¿La experiencia de haber trabajado con Drakoulias influyó para saber cómo hacer un buen disco?
Totalmente. George me enseñó muchísimas cosas que fueron de vital importancia en el futuro. Al igual que también lo hicieron Brian Paulson, Bob Ezrin y Ethan Jons. Aprendí de los mejores, sin duda alguna.

Tanto Mark como tú habéis grabado en solitario. ¿Crees que es mejor trabajar en equipo o es que las cosas así se ven diferentes?
Bueno, son cosas diferentes. Te diré que hay magia en la combinación de nuestras personalidades y de nuestras voces cuando trabajamos juntos, pero también te diré que hay una pérdida de libertad por parte de los dos, así que es una situación muy complicada. Con el tiempo, eso se ha desarrollado y tanto Mark como yo nos hemos vuelto más independientes como para hacer una colaboración más estable y reflexionar por ello.

Entonces, ¿hay algún tipo de Plan B?
No, hay ningún tipo de Plan B.

Pero la respuesta por parte del público ha sido buena.
Nunca antes hubo una mayor expectación sobre nuestra música por parte del público. Puede que todo haya sido por este nuevo disco, pero también ha influido todo nuestro trabajo anterior.

¿Hablamos de un trabajo que ha sido algo terapéutico?
¿Terapéutico? Yo diría que no. Más bien ha sido una recompensa. Como te decía anteriormente, hay nuevas experiencias que han llegado a la banda, pero claro, eso acarrea más complejidad. Es un poco más difícil que en el pasado, pero no sin sus recompensas.

Pero está claro que no iba a aparecer un disco como “Rainy Day Music” o “Tomorrow The Green Grass”.
No tenemos en cuenta los discos anteriores, si te soy sincero, pero piensa también que esas cosas ya están en nuestro ADN como grupo. Sentimos ciertas cosas como The Jayhawks, pero siempre tratando de buscar una evolución que no se repita. Hechos y no palabras.

Sin duda, los arreglos de cuerda y los pianos han marcado el estilo de este disco (“Hide Your Colours”, por ejemplo). Aunque no sé si Thad Spencer ha tenido su parte de culpa.
Bueno, Thad no ha tenido ‘culpa’. De hecho, sigue siendo un gran seguidor de la banda hasta el día de hoy. Es una persona con mucho éxito dentro de la música comercial que lo único que pretendía era como devolver un favor, así que nos dejó su estudio de manera gratuita para que pudiéramos contar también con los mejores músicos a precios bajos. Hizo todo lo que pudo por ayudar porque sigue siendo un gran seguidor y un buen amigo de la banda.

Eso el sonido, pero es curioso lo que sucede con vuestro trabajo en general, pues no hay término medio: o sois conocidos o tenéis unos seguidores muy fieles. Aunque no creo que necesitéis vender millones de discos para ser reconocidos.
Nos pusieron en la misma categoría que Big Star o The Velvet Underground. Nunca vendieron muchos discos, pero han terminado siendo bandas de culto pese a que no tuvieron un gran éxito en sus comienzos. Algo así sucedería con nosotros, pero nuestro ascenso, aunque lento, es constante con una legión de seguidores muy fieles.

Hace poco pudimos ver fotos de The Jayhawks trabajando con Ed Ackerson en Flowers Studio. Supongo que hay nuevo disco en camino, pero Mark Olson no aparecía en esas imágenes, sino que simultáneamente estaba en Noruega haciéndose fotos con unos centollos.
Ante eso sólo puedo responderte que el futuro de la banda es incierto y que no está nada claro. Todo lo que sabemos es que tuvimos un gran viaje en ese último año y que nuestros ojos están abiertos a nuevas oportunidades y nadie se encontrará las puertas cerradas.

¿Crees que The Jayhawks pueden seguir sin roces o enfrentamientos? Es el mejor momento: o continúan o lo dejan.
Las puertas están abiertas, ya te digo, aunque reconozco que actualmente están más entreabiertas que cerradas. Apreciamos lo que tenemos, si no lo hiciéramos, no alcanzaríamos nunca nuestra propia satisfacción personal.

Ryan Bingham: Carretera hambrienta.

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“Tampoco quiero hacer caso omiso de lo obvio”.

Es posible que la tierra en donde nace una persona pueda influir para siempre en la vida del músico. Esta duda se le plantea a Ryan Bingham (Hobbs, Nuevo México, 1981) en la siguiente entrevista que recorre la espina dorsal de su vida, tanto musical como personal.

TEXTO: CARLOS H. VÁZQUEZ.
FOTO: ANNA AXSTER.

Publicada en Popular 1 / Nº 469, Noviembre 2012
English version.

La historia de este joven experto en rodeos (e hijo de un ganadero hardscrabble de cuarta generación) se remonta varios años atrás, cuando su familia perdía el rancho y él tuvo que ganarse la vida a los 17 años montando toros y componiendo en sus ratos libres. Vivía por su cuenta hasta que dos dientes rotos y cuarenta puntos de sutura le hicieron ver la existencia desde un punto de vista alejado del circuito de los rodeos. Fue ahí cuando la música comenzó a protagonizar el polvo de sus botas. Todo pasa por algo. Guitarra en ristre, Ryan Bingham empezó a mostrar sus buenas artes en “Wishbone Saloon” (2002) y “Dead Horses” (2006) por todo el suroeste norteamericano (y parte de Europa) durmiendo en una furgoneta hasta que, en un concierto en Los Ángeles, es visto por Marc Ford, quien terminaría produciendo “Mescalito” (2007), disco que significó ser el gran salto de Bingham al fichar por Lost Highway Records con el respaldo de The Dead Horses, su banda, compuesta por Matthew Smith (batería), Corby Schaub (guitarra y mandolina) y Elijah Ford (bajo). Aunque hay que aclarar que el bajista en “Mescalito” fue Jeb Stuart.

Pero el constante movimiento de este músico de pura cepa americana continuó con “Roadhouse Sun” (2009), producido también por Marc Ford, endureciendo la electricidad de su sonido hasta llegar a “Junky Star” (2010), trabajo que marcó un punto de inflexión con la mano de T-Bone Burnett. Oscuro y muy introspectivo, el tercer LP con Lost Highway lo encumbra un poco más, colocándolo en el mapa. Años después, y al margen de los premios y de otros reconocimientos producidos por la película “Crazy Heart”, Ryan Bingham envía al barro su último trabajo hasta la fecha, “Tomorrowland” (2012), una virtud hecha velocidad que cambia los planes de los puristas. El álbum está producido de manera conjunta por el propio músico y por Justin Stanley, además de autoeditarse bajo el sello Axster Bingham Records.

La libertad y el hecho de sentirse libre han fraguado las historias de este joven trovador de áspera voz que explicará su historia más personal en la siguiente entrevista realizada antes de su gira norteamericana y europea.

“Así en la tierra como en el cielo”, dice Mateo 6:10. Aunque también se podría decir “así en la vida como en los escenarios”. ¿Crees que habría que tomarse la vida tan en serio, Ryan?
Bueno, creo que debemos tomarnos en serio el hecho de vivir, pero no habría que tomarse tanto en serio las cosas materiales de la vida. Estoy feliz de poder despertarme cada mañana y por estar vivo. Tengo respeto por la vida, pero no estoy demasiado preocupado por las cosas materiales de la vida o por sentir que le debo nada a nadie por estar aquí.

¿Entonces la clave sería la perseverancia?
Se podría decir que sí. Si te soy sincero, he tenido un montón de veces en las que me sentía tan derrotado que pensaba en darme por vencido. Además, había otro puñado de gente que me sugería tirar la toalla. Pero ya te digo, la perseverancia me ha llegado a través de una gran cantidad de momentos difíciles que ahora ya quedan atrás pese a que me han servido de ayuda. Mira, yo no soy una estrella de Rock, lo mires por donde lo mires, pero estoy feliz de haber llegado a donde estoy en estos días.

¿Crees en Dios, Ryan? ¿Te consideras un creyente?
Yo diría que creo en la espiritualidad y en el amor. No creo en la religión organizada o en que haya un hombre en el cielo que creara todas las cosas.

Te hago esta pregunta porque, después de todo este tiempo, tendrás que estarle agradecido de alguna manera a alguien… o a algo.
Hay muchas personas que me han ayudado en la vida y es gente a la que le estaré eternamente agradecido. Sé que puedo contar con estas personas, pero Dios no es uno de ellos.

¿Puede, entonces, una persona decepcionarse consigo misma?
Por supuesto. Sin duda alguna.

Caminando y viviendo en lugares dispares es como se conoce a las personas y sus problemas. Aunque no es lo mismo vivir que estar de vacaciones. ¿Escribir es una terapia para ti?
Sí, escribir siempre ha sido una forma de terapia para mí. Desde el principio, recuerdo la primera canción que escribí, y fue cómo un gran alivio haber descubierto una forma de canalizar mis emociones con la música y las canciones. Cuando comencé a escribir y a cantar, nunca tuve la intención de que alguien, alguna vez, escuchara lo que estaba diciendo. Era sólo una manera de conseguir exteriorizar las cosas que salían de mi pecho.

Corrígeme si me equivoco, pero me consta que no eres una persona que haya leído muchos libros, ¿verdad?
Es cierto. Aunque no es que no me gusten los libros, cuidado, es sólo que no crecí en un ambiente que animara a ello. Pero en fin, ahora disfruto de la lectura e incluso estoy tratando de recuperar el tiempo perdido.

¿Escribes siendo quien eres o para ser lo que no eres? Es posible que ya hayas aceptado las cosas que no te gustan de ti mismo.
Me gustaría pensar que escribo por lo que soy. Tengo una cosa, y es que me cuesta trabajo escribir sobre cualquier cosa que no haya experimentado personalmente. Siento que las canciones siempre vienen de lugares en los que he estado y por cómo el mundo me ha hecho sentir, pero siempre con la esperanza de que otras personas las puedan hacer suyas relacionándolas con sus propias experiencias en la mente. No creo que yo sea cualquier cosa menos de lo que soy. Para bien o para mal.

De hecho, todas las canciones de “Dead Horses” (excepto “Big Sky Country”) aparecen en “Mescalito”. ¿Por qué crees que el éxito llegó con “Mescalito” y no con “Dead Horses”?
Bueno, en realidad el disco de ‘Dead Horses’ nunca fue lanzado como tal. Cuando firmé el contrato con Lost Highway Records llevé ese disco al estudio para trabajarlo con Marc Ford. Remezcladas las pistas, se convirtió en el resultado final que hay en ‘Mescalito’. Después, Lost Highway sacó ese trabajo como nuestro primer disco.

¿Crees que Lost Highway Records y Marc Ford fueron condicionantes?
Sí. Fueron el detonante para que todo empezara así. No creo que yo hubiese llegado muy lejos si Marc o Lost Highway no hubieran aparecido.

A pesar de que tanto “Southside Of Heaven” como “Longway From Georgia” se encontraban en “Wishbone Saloon”. No sé lo que pensarás, pero me pregunto por qué “Freight Train” cayó en el olvido. ¡Era perfecta para “Mescalito”!
¡Cierto! No recuerdo por qué no entró al final en el disco, la verdad. Pero ya sabes que siempre es difícil decidir qué canciones van a entrar en un disco y cuales no. Al final, terminas desprendiéndote de algo.

“Roadhouse Sun” pretende ser una confirmación. Sin embargo, contiene un mensaje más político. “Day Is Done” suena muy contundente, pero “Bluebird” habla de la añoranza. ¿La tierra donde nace una persona puede influir para siempre en la vida del músico?
Sí, creo que el lugar de dónde soy ha tenido una gran influencia en lo que escribo. A pesar de que me he movido mucho creciendo, soy originario de un lugar muy desolado en Nuevo México. Aquello dejó un montón de espacio para la imaginación.

Me di cuenta de eso debido a que en “Junky Star” sigue la nostalgia, exactamente en “Direction Of The Wind”. Tengo la sensación de que “Roadhouse Sun” fue la rebelión de la juventud y “Junky Star” la independencia del hogar.
Siempre he pensado que hay un poco de rebelión en su totalidad. ‘Junky Star’ fue sin duda un álbum que formó parte en lo que a dejar atrás mi pasado se refiere. Perdí a mis padres durante los años de ese disco.

Vaya, lo siento. “Junky Star” salió poco tiempo después de la película “Crazy Heart”. La gente podría comprar el álbum en masa después de ver la película. ¡Por no mencionar el Oscar! ¿No tuviste miedo de convertirte en una nueva moda?
Bueno, hubo un poco de presión definitiva procedente de esos poderes generales, pero nunca tuve ilusiones de construirme una carrera por una única canción [‘The Weary Kind’]. Jamás me ha preocupado mucho lo que ocurre en el panorama o como me tendría que sentir para mantener una moda. Creo que al final de todo, lo que prima es la música y nada más.

Pero me alegra que “The Weary Kind” no eclipsara otras canciones como “The Poet”. ¿Lo más fácil hubiera sido publicar “The Weary Kind” como single de “Junky Star”?
Sí, probablemente habría sido el camino más fácil a seguir. Pero para mí, las canciones que escribí para ‘Junky Star’ no tenían nada que ver con la película o con ‘The Weary Kind’. Son cosas que van totalmente por separado.

Muy oscuro, casi redentor. “Hallelujah” sería para mí la mejor canción, ya que concentra la esencia. ¿Estabas buscando una manera de exorcizar demonios?
Yo creo que sí. Con esto quiero decir que ha significado mucho poder escribir canciones para mí. Creo que mucha gente vio lo que estaba sucediendo con el cine y los Oscar, pero lo que realmente me cansaría que vieran es lo que me estaba pasando personalmente. Había muchas grandes cosas que sucedieron en mi carrera durante aquel tiempo, pero yo estaba en un momento muy oscuro dentro de mi vida personal. Mi madre murió a causa de la bebida un par de años antes de que yo grabara ‘Junky Star’ y mi padre se suicidó no mucho después de la salida del disco. Creo que muchas de las canciones de ‘Junky Star’ fueron sobre cómo lidiar con todo eso. Espero que nunca más tenga que escribir un disco así otra vez.

“And we’ve gone out to California […] In this depression, what are we to do”. ¿“Depression” es autobiográfica? Es verdad que en ese tiempo te mudaste a California.
Sí, en parte lo es. También fue sólo una observación de cómo el mundo parece estar en una situación similar en cuanto a lo que estaba sucediendo en el oeste durante la migración en la gran depresión.

Por cierto, ¿T-Bone Burnett se ofreció a producir el disco o se lo pediste tú? En comparación con “Roadhouse Sun”, “Junky Star” es casi totalmente acústico.
Le pregunté a T-Bone si quería producir el disco. Yo tenía todas las canciones escritas y estábamos todavía en el estudio así que tenía todo el sentido del mundo preguntarle. Una tarde, la banda y yo nos sentamos en su sala de estar y tocamos todas las canciones para él. Sugirió que se deberían grabar las canciones de la misma manera, simplificadas y en su esqueleto, algo casi desnudo, que es lo que finalmente hicimos.

Parece que “Tomorrowland” es un álbum muy positivo para crear un tipo de transición. ¿Crees que era necesario romper con todo para empezar casi desde cero?
Sí, yo sólo quería ver hasta donde podía ir con todo esto. Creo que es genial hacer un nuevo disco para llevarlo de nuevo a la mendicidad y empezar de nuevo. Un nuevo día… una nueva canción.

¿Hablamos de una evolución o de una revolución?
Tal vez se trate más de una evolución. No creo que realmente esté diciendo nada que no haya sido dicho antes, pero siento que estoy creciendo y aprendiendo cosas nuevas todos los días y de diferentes maneras.

“Heart Of Rhythm” suena tan diferente y tan atropellada…
He estado escuchando muchísimo a The Clash y Bob Dylan en este espacio de tiempo. Se nota.

“Keep It Together”, “Flower Bomb”, “Rising Of The Ghetto” ¿Hablan estas canciones sobre la disconformidad y la lucha?
Sí. Estás en lo cierto. Y es más; si te fijas, en ese punto -sobre la disconformidad y la lucha- del que hablas es donde la música de Dylan me ha influido mucho más y de manera definitiva.

Sin embargo, “No Help From God” tiene un poso desalentador. ¿Decadente, pero con esperanza?
Bueno, siempre hay esperanza. Lo que ocurre es que tampoco quiero hacer caso omiso de lo obvio.

Bueno, 31 años, cuatro discos (sin contar “Dead Horses” y “Wishbone Saloon”), un Oscar, un Grammy, un Globo de Oro… Todo está yendo muy rápido, pero no sé si piensas que es por suerte o más bien porque estás en constante movimiento.
Creo que es un poco de ambas cosas. Definitivamente, ayuda el hecho de estar en el lugar correcto y en el momento adecuado. Siempre he tratado de ponerme en tantos lugares como me sea posible, con la esperanza de que algún día me gustaría estar en ese lugar justo y en ese preciso momento.

Aunque la gira con Willie Nelson puede ser lo más parecido a meta…
Aquello fue tan grandioso como increíble y es tan bueno como lo pintas. Jamás imaginé que pudiera tener en la vida una oportunidad como esa.

“La resignación es un suicidio cotidiano”, dijo Balzac. ¿Conformarse con hacer (todavía) la mejor canción es una meta con la que terminaría una carrera?
Estoy dispuesto a correr ese riesgo.

Ryan Bingham: Hungry road.

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“I just don’t like to ignore the obvious either”.

It’s possible that the land where a person is born can influence for good in the musician life. This question it’s posed to Ryan Bingham (Hobbs, New Mexico, 1981) in the following interview that runs along the spine of his life, both musically and personally.

TEXT: CARLOS H. VÁZQUEZ.
PHOTO: ANNA AXSTER.

Published in Popular 1 / Nº 469, November 2012

“On earth as it is in sky”, said Mateo 6:10. But, I say to you “On life as it is in stage”. Do you think that we have to take life too seriously?
Well, I think that we should take living seriously, but not so much the material things in life. I’m happy to wake up each morning and be alive and I have respect for life but I’m not too worried about the material things in life or feel like I owe anyone for being here.

Can we say that perseverance has been the key of your career?
You could say that. There were a lot of times when I felt like giving up. There were a lot of people that said I should give up. But perseverance has gotten me through a lot of tough times and helped me put that behind me. I’m no rock star by any means but I’m happy to have gotten to where I’m at these days.

Do you believe in God? Moreover, do you consider yourself a believer?
I would say that I believe in spirituality and love. I don’t believe in organized religion or that there is a man in the sky that created all things.

I ask you this question because after all this time, you will be grateful to somebody… or something.
There are many people who have helped me in my life and to those people I am forever grateful. I can count these people on one hand. God isn’t one of them.

A person can deceive himself?
Of course.

With walking and living in many places you can understand people and his troubles. But one thing is to go on vacation and another to live permanently. The writing has become a therapy for you?
Yes it’s always been a form a therapy for me. Since the beginning, I remember the first song I wrote and how it was such a relief to have discovered a way to channel my emotions into music and songs. When I started writing and singing I never intended on anyone ever hearing what I was saying. It was just a way to just get stuff off my chest.

But if I’m not mistaken, you’re not a person who has read many books, right?
Yes you’re right. It’s not that I don’t like books. It’s just that I was not really raised in an environment that encouraged it. I definitely enjoy reading and am now trying to make up for lost time.

Do you write to being who you are or for who you are not? It’s possible that you have already accepted all the things that you do not like about yourself.
I would think that I write for who I am. I have a hard time writing about anything that I haven’t personally experienced. I feel like the songs always come from places that I’ve been and how the world makes me feel but I always hope that other people can relate to the songs in their own way and with their own experiences in mind. I don’t believe that I am anything but who I am. For better or worse.

In fact, all the songs in “Dead Horses” (except ‘Big sky country’) appear in “Mescalito”. Why do you think that success came with “Mescalito” and not with “Dead Horses”?
Well the Dead Horses record was never released. When I signed to Lost Highway Records I took the Dead Horses record into the studio with Marc Ford and we remixed the tracks and that became “Mescalito”. Then Lost Highway released that as our first record.

Do you think that Marc Ford and Lost Highway Records were the influences to make your succeed?
Yeah that started it all. I don’t think I would have made it very far if Marc or Lost Highway had not come along.

Although ‘Southside of Heaven’ and ‘Longway From Georgia’ and were in” Wishbone Saloon “. I do not know what do you think, but I wonder why ‘Freight Train’ fell into oblivion. It was perfect for “Mescalito”!
Yeah I don’t remember why that didn’t make it on there. It’s always hard to decide which songs will make the record. At the end of the day something always has to go.

“Roadhouse sun” meant to be a confirmation. But contains a more political message. ‘Day is done’ sounds very strong, but same lyrics (like in ‘Bluebird’) talk about the far away lands. The land where a person is born can influence forever in the life of a musician?
Yes, I think where I am from has had a lot of influence on what I write. Even though I moved around a lot growing up, I’m originally from a very desolate place in New Mexico that left a lot of room for imagination.

I noticed that this theme of longing continues in “Junky Star,” exactly in the song called ‘Direction Of The Wind’. I have the feeling that “Roadhouse Sun” was the rebellion of youth and “Junky Star” meant the independence of the family nest.
I always think there’s a bit of rebellion in all of it. Junky Star was definitely an album that was part of leaving my past behind. I lost both of parents in the few years around that album.

Remember, “Junky Star” was released after “Crazy Heart”. People could buy your album en masse after being see the film. Not to mention the Oscar! Were you afraid to become a new hype?
Well there was definitley some pressure coming from the powers that be, but I never had any delusions of building a career out of one song. I’ve never really cared much for the scene or felt like I needed to be caught up with all the hype. I think at the end of the day it just has to be about the music and nothing else.

But I find it fascinating that ‘The Weary Kind’ does not overshadow other songs like ‘The Poet’. The easiest thing would have been publish ‘The Weary Kind’ as a single, right?
Yeah, that would have probably been easy to do. But to me the songs I wrote for Junky Star didn’t have anything to do with the film or The Weary Kind. For me is was something totally separate.

But it’s a very dark, almost redemptive. ‘Hallelujah’ it’s for me the best song, because concentrates the essence. Were you looking a way to exorcise demons in “Junky Star”?
I think so, I mean it’s a big part of writing songs for me. I think a lot people saw what was happening with the film and the Oscars but they really could’nt see what I was going through personally. There were a lot of great things happening in my career at the time but I was in a very dark place. My mother drank herself to do death a couple of years before I recorded Junky Star and my father commited suicide not too long after it came out. I think a lot of the songs on Junky Star were about dealing with that. I hope I never have to write a record like that again.

“And we’ve gone out to California […] In this depression, what are we to do”. ‘Depression’ is autobiographical? You moved to California in this time.
Yes in part it is. It was also just an observation of how the world seems to be in a similar situation as to what was happening during the migration west in the great depression.

By the way, T-Bone offered to produce the record or was you who requested it? Compared with “Roadhouse Sun”, the sound of “Junky Star” is almost down and acoustic.
I asked T-bone if he would produce the record. I had all of the songs written and we were alredy in the studio so it made sense to ask. One afternoon the band and I sat in his living room and played all the songs for him. He suggested that we should record the songs in the same manner just stripped down to bare bones, so that it was we did.

It seems that “Tomorrowland” is a very positive album to create a type of transition. Do you think it was necessary to break with everything to start almost from cero?
I do, I just wanted to see where I could go with it. I think with every record it’s great to take it back to the begging and start fresh. It’s a new day and a new song.

Do you think that this is an evolution or revolution?
Maybe more of an evolution. I don’t think I’m really saying anything that hasn’t been said before. But I do feel like I’m growing and learning new things everyday, and saying them in different ways.

‘Heart Of Rhythm’ sounds different and hasty. It’s your ‘Subterranean Homesick Blues’!
I had been listening to a lot of The Clash and Dylan as well.

I emphasize the power of his lyrics. Ryan Bingham stirred the masses to lift their ass and fight for what is yours?
Dylan’s music has definitley inspired me to do just that!

Reminds me of the intention of Neil Young in ‘Ohio’, you know. ‘Keep it together’, ‘Flower Bomb’, ‘Rising of the ghetto’… are titles that talk about fight and nonconformist. Am I right?
Yes, you are.

But ‘No help from God’ has a reservoir of hopelessness. Decadent, but with hope?
There is always hope. I just don’t like to ignore the obvious either.

Well, Ryan… 31 years, four albums (without “Dead horses” and “Wishbone Saloon”), one Oscar, one Grammy, one Golden-Globe… It’s certainly something fast, but do not know if you think it’s by luck or rather because it is constantly work.
I think it’s a bit of both. It definitely helps to be in the right place at the right time. I’ve always tried to put myself in as many places as possible, hoping that one day, I would be in that right place at that right time.

Although the tour with Willie Nelson had to be the closest thing to a goal.
For me that was about as good as it gets. I never imagined that I would ever have that opportunity.

“Resignation is a daily suicide” said Balzac. Compose (still) the best song is a goal that would end a career?
I’m willing to take that chance.

Rhino Bucket: La clave de todo.

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“El Grunge fue su propio verdugo”.

Rhino Bucket tiene esa historia de banda de Rock angelina que vivió durante los últimos 80 (y primeros 90) un éxito que iba gradualmente en ascenso. Así era, o así tendría que haber sido sino fuera porque las cosas cambiaron de la noche a la mañana y la leyenda se convirtió en cuento. Se dice que la llegada del Grunge finiquitó a muchos grupos de Rock and Roll, como Rhino Bucket, pero son muchas hipótesis llegados a este punto. La banda cuenta con 6 discos de estudio en el mercado, aunque “Rhino Bucket” (1990), “Get used to it” (1992), “Pain” (1994) marcaron el auge y caída de Rhino Bucket hasta que volvieran a reunificarse en 2006 con “And then it got ugly”. Actualmente presentan “Who’s got mine?” (2010), pero es el disco en directo titulado “Sunrise on Sunset Boulevard. Live at Coconut Teaszer” el que ondea en la nueva vida de los chicos de Georg Dolivo, cantante y fundador de Rhino Bucket que además habló con Carlos H. Vázquez en la siguiente entrevista.

TEXTO: CARLOS H. VÁZQUEZ.

¿Cómo de gratificante es mantener una banda que tiene casi 25 años de vida?
Pues estoy muy orgulloso de que la banda haya sido capaz de mantenerse a ese ritmo durante todos estos años y aún permaneciendo fieles a nuestro estilo de música. Nosotros, y siempre será así, seremos honestos y jamás venderemos la moto a nadie. Somos una banda de Rock and Roll sin más.

Además de gratificante, me imagino que será un poco difícil mantenerse sin problemas, ¿no?
Si bien es cierto que ha habido algunos altibajos, cuando los cuatro nos reunimos en un escenario todavía nos sentimos muy bien.

El último álbum de la banda (“Who’s got mine?”) Fue lanzado en 2011, pero me pregunto cómo ha funcionado desde entonces hasta ahora.
Todavía me encanta tocar y escuchar este álbum. También es verdad que durante este año nos tomamos un tiempo libre para trabajar en nuevas canciones y compactar mucho más la banda para reunirnos con nuestro nuevo batería, Dave Ducey.

De hecho, el CD en vivo llamado “Sunrise on Sunset Boulevard. Live at Coconut Teaszer” fue grabado en 1990…
Pues mira, era la época en la que estaban saliendo nuestros primeros discos. Por entonces, la escena del Rock en Los Ángeles era increíble. Fue un gran momento en nuestras vidas, sinceramente.

¿Y por qué se ha tardado tanto en publicar un álbum en directo entonces?
Siempre tuvimos tantísimas canciones nuevas que queríamos lanzar un álbum en vivo, pero veíamos que no parecía tener sentido. Cuando redescubrimos las cintas que registraron el show en el Coconut Teaszer supimos que teníamos algo especial y que además debía ser mostrado al mundo.

Pero esa grabación ha estado circulando por internet mucho antes, aunque incompleta.
Sí, cierto. Estaban las versiones piratas de Internet, pero no representan de manera adecuada a la banda. Es por eso por lo que decidimos dejar las cosas claras y lanzar una versión mezclada correctamente para que todos puedan disfrutarla.

También me pregunto por qué no hay un último álbum en vivo más nuevo.
Tal vez, algún día, hagamos un nuevo álbum en vivo. La banda suena mejor que nunca… y más ahora que por fin hemos dado con un batería que se ajusta al papel.

Canciones como ‘Ride the rhino’, ‘Swinging with Sally’ o ‘Train ride’ fueron clave para oler las mieles del éxito, pero…
Todo lo que hicimos fue tratar de hacer el mejor Rock and Roll posible. En cada etapa, en cada grabación… Era la única cosa que nos preocupaba.

¿Crees que el Grunge fue un verdugo?
(Risas) No. El Grunge fue su propio verdugo.

¿Piensas que cambió mucho la escena del rock de Los Ángeles después de la explosión en los 80?
Bueno, ciertamente es diferente a la que hay ahora. No hay muchas bandas buenas, no hay muchos clubes buenos… y ni por asomo se parece a la misma escena tan loca que era en aquel entonces.

Me consta que andáis con un nuevo disco de estudio, aunque se dijo que iba a ser para el 2012, aunque luego salió la noticia de que se pondría en marcha en 2013.
Tuvimos ciertos y varios problemas con el tiempo de estudio, pero también queríamos asegurarnos de que las canciones fueran todo lo que podrían ser.

Y ya que lo hemos comentado, sería el primer álbum con Dave Ducey en la batería. ¿Es un examen para él?
Él es un gran baterista y un gran estabilizador para la banda. Sé que cuando la gente escuche la banda con esta formación, van a perder la cabeza.

¿Y es un examen de conciencia para Rhino Bucket?
Hemos establecido un estándar tan alto por nosotros mismos que estoy seguro de que nadie quedará decepcionado. Cada álbum es una prueba y hasta ahora no hemos recordado tener una calificación tan alta como la que tenemos en este próximo nuevo disco.

También te lo comento porque hace un año o dos hicisteis una gira por Europa en casi 45 días. ¡Agotador!
Y así lo hacemos todo. No conocemos otra forma. Vivimos para tocar Rock and Roll. Sé que podríamos -y deberíamos- tocar todas las noches, 365 noches al año.

Pero ya no sois tan jóvenes, hombre…
(Risas) Es cierto, no somos tan jóvenes, pero aún sabemos cómo hacer Rock cada noche.

Dayna Kurtz: Aventuras en la gran ciudad.

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“El Jazz es música que puedes poner para cenar y luego para follar”.

Dayna Kurtz ha edificado una bonita discografía sin parangón que va desde la música de raíces americana hasta el Blues, el Rock and Roll y el Jazz hermanado con New Orleans. Su impresionante voz ha conmovido tanto que cada canción tiene la alta probabilidad de ser parte de la banda sonora de cada uno, como ha sucedido con “Secret Canon Vol. 1” (Kismet Records, 2012), el último disco de la misteriosa cantante de New Jersey, quien ha conformado una selecta colección del Jazz más escondido con la intención de ser feliz haciendo lo que hace. Un verdadero trabajo de arqueología, bello y cálido a la vez.

TEXTO: CARLOS H. VÁZQUEZ.
FOTO: MERRI CYR.

Publicada en Popular 1 / Nº 468, Octubre 2012

Así, de primeras; tengo que decirte que estas preciosa con el pelo alisado.
(Risas) ¡Gracias!.

De hecho, entre el nuevo look y los vestidos, me has recordado a… ¡Rayos! ¿Cómo se llamaba el personaje femenino de “Who Framed Roger Rabbit”?
¿Jessica Rabbit?

¡Eso es!
¡Oh, Dios mío!. (Risas)

Bueno, al grano. ¿Crees que el Jazz y el Soul son para los amantes?
Si, son géneros que están hechos para los amantes. Es música que puedes poner para cenar y luego para follar sin tener que cambiar el disco. En realidad, ese era mi objetivo.

Hay dos canciones que destaco especialmente: “If Yesterday Could Only Be Tomorrow” y “Come in Out of the Rain” de Nat King Cole. ¿Sabes?, mi abuelo conoció a mi abuela por una canción llamada “Quizás, quizás, quizás” que Nat King Cole cantaba en español…
¿En serio? ¡Qué bien! Conozco esa canción. He estado buscando canciones en español que me encantan, pero todavía no he hecho nada con ellas…

De hecho, Nat King Cole tiene muchos boleros, canciones que hablan de amor o de sentimientos… ¿Buscas tú el amor en las canciones?
No, yo busco la música, pero la buena música está escrita con amor así que…

Pero “I’ll Close My Eyes” se la dedicas a tu marido, ¿verdad?
Sí…

Y ¿cual es la historia?
¿Te refieres a la historia de la canción o de mí cantando esta canción?

El por qué de la canción cantada por ti.
Ya decía yo. De todas las canciones del disco, esta es probablemente la más famosa aunque no es realmente conocida. Mis músicos son músicos de Jazz y hacen un millón de bolos de Jazz al año, pero puesto que esa canción no es puro Jazz, no conocían el tema. No es para nada una canción estándar, así que por eso quizá sea poco conocida, pero rompí una de mis reglas buscando canciones para un disco porque Dinah Washington la cantaba. Incluso un par más de famosos artistas la han cantado también.

No suelen ser la norma, ¿verdad?
Claro. Habitualmente no tengo consideración por este tipo de canciones, pero es tan bonita… que me recordaba a algo tan hermoso como mi romance, así que encajaba en los parámetros del buen Jazz. No sé, pensé que era preciosa; suelo huir de los clichés, ¿sabes? Tengo que sentir que quien escribe estaba escribiendo algo real, ¿sabes a que me refiero?

¡Claro!
Tienes que sentir que estás verdaderamente enamorado o pensando en ello. Quiero decir que esas canciones te pueden conmover, pues algunas son realmente bonitas.

¿Hablamos de una verdad que uno tenga que creerse para cantar lo que realmente se siente?
No me malinterpretes, pero tengo que tener la sensación de que existe un sentimiento real, y eso que ni siquiera pensé mucho sobre de qué iba a ir la canción hasta que la estaba cantando durante una noche (ya tarde) después de una sesión de seis, siete… ocho temas en una misma grabación. Eran sesiones muy largas, y mientras la estaba cantando, me di cuenta de que la canción trataba de estar lejos de la persona que amas. Ahí fue cuando lo vi… y lo sentí. Resultó verdaderamente gracioso porque se me resquebrajó la voz. Era en plan ‘don’t you know I’ll close my eyes…’ [tararea la canción], pero yo no podía porque es un tono muy alto y estaba tan conmovida que casi me pongo a llorar; se oye perfectamente -hacia el final de la canción- como de rota está mi voz y también cuando me eché a llorar. ¡No podía creerlo! ¡Casi me la cargo! De verdad, casi echo a perder la canción y hacia al final del tema me doy cuenta: ‘Oh, Dios mío. Ya sé de que va’. Se nota perfectamente, puedes sentir como mi voz tiembla al final de la canción.

Ya lo dice la frase: “Women who behave rarely make the history” (las mujeres con raros comportamientos hacen historia)…
Sí, es una magnifica cita. Y creo que me pega. (Risas)

Además, creo que las mujeres que cantan Soul, Jazz o Blues, son mujeres fuertes…
Sí, probablemente.

Me refiero además a que son más fuertes que las rockeras…
Bueno, yo creo que lo que hacen las mujeres… Mira, a menudo, los hombres se dedican al Rock and Roll o a la música porque es la única manera de tener sexo. Es la excusa para tener chicas y ser guay y todas esas cosas… ya sabes. Pero para las mujeres es exactamente lo contrario. Apartamos esas cosas cuando entramos en la música porque es algo muy potente estar encima de un escenario, y eso, para nosotras, tiene el efecto contrario. Pero para los hombres, estar en el escenario y que las mujeres sean la audiencia, es lo normal. En cambio, para una mujer, estar en el escenario… bueno, los hombres pueden pensar ‘está buena’ o ‘me la tiraría’… pero no pueden, no podrían nunca. El poder del dinamismo es incómodo, ¿sabes a que me refiero?

Es una situación incómoda, supongo.
Es que cuando eres mujer y eres música… No sé, podría contar con los dedos de una mano las veces que un hombre me ha entrado después de un concierto en todos mis años de carrera. Mis colegas masculinos pueden ser feos o incluso estúpidos, pero si son guitarristas ya tienen el camino hecho… y no me parece justo (Risas). Los hombres, y con eso no digo todos, pueden llegar a ser brillantes, pero entran en este mundo porque mola. Lo de las mujeres es más una llamada espiritual. Desde luego que para muchos artistas hombres también, pero ya me entiendes, las mujeres tenemos que pelear más para entrar y que se nos tome en serio.

Pues fíjate, lo relaciono un poco con el título de “Don´t Fuck Aroud With Love”, aunque la primera versión se llamaba “Don´t Play Around With Love”. ¿Fue el cambio de la palabra una especie de broma o algo así?
Sí, así aparecía en la original que grabaron. Aunque bueno, no sé muy bien como fue la broma, pero sé que la hicieron en 1953 para los deejays de la radio. La historia es que tiraron la toalla con los bolos y en su lugar hicieron todo lo que pudieron para que el disco sonara, así que cuando salió el tema con el título de ‘Don´t Play Around With Love’ –probablemente- alguien hizo la broma de ‘¡hey! vamos a hacer un single diciendo ‘joder’ en vez de ‘jugar’’. Además tenemos espacio de sobra porqué no lo grabamos como tal’. Pero ellos lo hicieron (Risas). Me imagino a los ingenieros de sonido y a los coleccionistas de música… De hecho, puedes oír a la banda intentando no reírse. Creo que es adorable. Ya sabes, en esa época decir ‘joder’ era escandaloso.

Bueno, “joder” suena más… ¿fuerte?
Sí, se supone que nunca lo dices hasta que lo dices. Yo lo digo todo el rato, y en realidad ‘Don´t Fuck Around With Love’ suena para mí mucho más natural que ‘Don´t Play Around With Love’. Me refiero a que hoy en día, hacerlo así, tenía sentido.

Has hablado de coleccionistas y de músicos… me gustaría hablar de tu amigo Jack Williams.
Bueno, él realmente no es que sea coleccionista, pero es uno de esos músicos que puede tocar absolutamente cualquier cosa que jamás se haya escuchado. Ha pasado por todas las eras del Rock and Roll; tocaba en los 50, en los 60… Es como si tú empiezas a cantar o tararear cualquier canción por antigua que sea, y él recuerda perfectamente cada palabra, cada acorde… Aparte de que es un guitarritas maravilloso, toca verdaderamente genial. Más que un coleccionista, es básicamente una jukebox andante.

Me imagino que tenerle cerca será una garantía. Como tener una enciclopedia siempre a mano.
“Lo recuerda absolutamente todo. Además, ha pasado por muchos estilos; desde el sonido sureño de Carolina del Sur (es un jefe en esa área en concreto), hasta mezclarlo con el Blues, Rock and Roll, Jazz, Country… De hecho, recurren mucho a él como consejero. Es un amigo muy querido y uno de mis primeros mentores. Cuando empecé a girar en América yo sola, él ya llevaba años haciéndolo y me enseñó mucho. Me ayudaba a organizar los shows, me daba pistas y consejos de cómo funcionaba la carretera… Imagínate, simplemente el hecho de ver a alguien que empezó en los 40 y 50, con más de cincuenta años a sus espaldas; que probablemente mucha gente ni ha oído hablar de él y que ha vivido de ir en su furgoneta por todo el país… es algo gratificante. Es todo un personaje.

Sin palabras me hallo. Realmente es una inspiración para ti. Además, he visto en tu perfil de Facebook fotos vuestras haciendo pequeñas actuaciones.
¿Sabias que es observador de pájaros? Siempre lleva consigo sus prismáticos y busca los pájaros y especies más extrañas. Es un coleccionista de pájaros que incluso a veces se organiza las giras de conciertos en función de los calendarios de anidación para así poder encontrar más pájaros. Si la oca de panza amarilla emigra al norte de Michigan en Abril, se asegura de cerrar un concierto en el norte de Michigan en Abril para tener la oportunidad de estudiarla.

¿Y tú?
Yo me organizo en función de la comida, ya sabes; un sitio estupendo de barbacoa aquí o allí… en cambio, Jack lo hace todo en función de los pájaros. Todos tenemos esas cosas que nos mantienen tanto tiempo girando haciendo que valga la pena lo que hacemos, y para él, en el caso de Jack, la motivación son sus pájaros.

Siento desviar el vuelo (nunca mejor dicho) que ha tomado la conversación, pero me consta que “Call Me Darling”, el tema que cantas con Jack, es una canción que tiene que ver con Josh White.
Bueno, en realidad no sé si Josh White la escribió. No creo que lo hiciera en realidad, pero la primera vez que la oí era por la versión de Josh White. Y claro, ha sido una influencia importante para Jack.

Por cierto, hace tiempo se habló de un proyecto llamado “Re-treads And Hand Me Downs”. No te digo nada…
¡Oh, Dios mío! (Risas) Sí, de vez en cuando me acuerdo y me digo: ‘es verdad, nunca sacaste esto’. Probablemente lo sacaré on-line, no sé si me apetece sacarlo en CD porque de hecho es un EP. Rehice buenas canciones, pero no es algo que me vuelva loca, principalmente porque quiero coger las mejores de mis viejas canciones y porque las que me parecieron suficientemente buenas ya las puse en ‘Postcards From Downtown’, así que hay una parte de mí que duda en sacarlas o moverlas de donde están.

¿Pero son buenas?
Bueno, en realidad no son tan buenas. Creo que no fui una buena letrista hasta casi los treinta, ni tampoco había encontrado mi verdadera voz hasta los veintinueve o treinta. Hasta ese momento, simplemente, trataba de ser otra persona y eso no es honesto. De hecho, es un poco embarazoso. Ya sabes, como releer un viejo diario, vuelves a eso y ves la mierda que solía ser…

Recuerdo también las cassettes de “Dayna B. Kurtz” y “Footprints”. Joder, hablamos de los años… ¿1990 y 1995, respectivamente?
Sí, sí… ¡Joder, era muy mala… realmente mala! Tengo como una obligación moral de no enseñar eso al mundo. No creo que a nadie le importe. (Risas)

Bueno, pero ha sido una etapa de tu vida, así que la pregunta de si las canciones de “Secret Canon Vol. 1” formaron parte de la banda sonora de tu vida se presenta en mi cabeza.
Sí, de alguna manera lo son puesto que he estado escarbando e indagando entre viejos temas para encontrar estas canciones. Pero vamos, siempre busco entre viejas canciones. ¡¡¡Tengo montones!!!

Creo que tus discos se mueven entre el Soul, el Jazz y el Rock and Roll, pero en “Beautiful Yesterday” el Jazz y el Soul son más importantes. ¿Se trataba de un disco de transición?
Pues no sé. A veces trato de entender donde está el arte, ¿sabes? Respecto a los discos, me refiero, de uno a otro. Es como los amantes; rompes con tu novia la cual era, no sé… digamos muy dependiente, así que tu próxima novia va a ser todo lo contrario porque… bueno, es como una especie de reacción a algo, así que a veces, creo, que si siento la necesidad de explorar algo es porque lo siento como complementario. Es como que eso es parte de mí y no lo he explorado en mucho tiempo, por eso creo que ‘American Standard’ es de todo menos Jazz. Hice ‘Do I Love You’ mientras preparaba ‘American Standard’.

Ahora entiendo por qué “Do I Love You” abría los últimos conciertos de “American Standard”…
Date cuenta que es la primera canción de ‘Secret Canon Vol. 1’ simplemente porque encontré la canción que verdaderamente quería hacer ¿sabes? Tenía a los chicos en el estudio y mi voz estaba preparada después de haber cantado ‘Lou Lou Knows’. Sonaba realmente trágica después de grabar aquella canción. Verdaderamente, ese era un buen momento para cantarla porque la voz estaba tan embarrada… pero claro, no era un tema para ‘American Standard’. La verdad es que ‘Do I Love You’ fue tan fácil, tan fluida… que fue como una toma después de otra toma, sin necesidad de repetir nada. Simplemente, era como hacer un disco improvisado de Jazz. Después de grabar la canción nos quedamos todos mirándonos y me dijeron: ‘esto ha estado de puta madre, ¿tienes más de estas viejas canciones?’. Ha sido genial. No había escuchado esta jodida canción en mi vida y mira lo que ha salido…

Algo nacido desde la víscera, vaya. ¿Pero eso hizo que “American Standard” cambiara de rumbo?
Hicimos un par más y luego decidimos concentrarnos en ‘American Standard’ después de esa sesión totalmente desenfocada de lo que estábamos haciendo de puro Jazz. Si hubiéramos seguido con aquello, la cosa se habría parecido más bien a un disco de Miles Davis. Ya sabes, una o dos noches, dos tomas, dos versiones de cada tema y directo a la siguiente canción sin mirar atrás…

Muy abstracto. ¿Podríamos decir que “American Standard” es el día y “Secret Canon Vol. 1” la noche?
Sí, totalmente. ‘American Standard’ es el disco más ‘happy’ que he hecho jamás.

¿Cuántas canciones tienes para este proyecto?
Pues mira, hasta ahora creo que debo tener unas diecinueve o veinte, pero en mi lista de reproducción tengo casi cincuenta canciones para considerar. Podría estar haciendo esto siempre, podría estar haciendo ‘Secret Canon’ de manera constante. O sea, si alguien dice que ‘Secret Canon Vol. 1’ es bueno, explota y se convierte en algo grande para demostrar que eso es lo que soy, podría estar haciéndolo el resto de mi vida y sería feliz. Luego escucharía en secreto las versiones originales en mi iTunes, claro (Risas). En serio, sería feliz. Me resulta tan divertido… Bueno, también digo esto ahora porque estoy realmente inquieta, pero tengo todavía mucho dentro de mí. La búsqueda y hacer de las canciones algo mío es tan reconfortante como escribirlas. ¡¡Es muy divertido!!.

Puedes hacer diez o veinte discos…
Podría perfectamente, por eso lo he llamado así.