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Archivo mensual: agosto 2012

Revólver: Les garçons de la chance

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“Nos sentimos honrados de que a tanta gente le guste nuestra música”.

Ambroise Willaume, Maxime Garoute, Christophe Musset y Jérémie Arcache son unos buenos amigos que iniciaron sin más pretensiones un proyecto que ha terminado por darles de comer. Revólver (nada que ver con los valencianos de Carlos Goñi) empezaron una tímida evolución en un pequeño apartamento, de manera que su sonido era tranquilo y sosegado por aquello de no molestar a los vecinos. Pero como buenos jóvenes con las ideas claras, editaron “Music for a while” (2009) para atestiguar que su éxito podía ser mayor con un segundo LP, titulado “Let go” (2012). Christophe Musset, el vocalista, habla para Cambio 16 con la intención de explicar esta subida a los cielos de la música.

TEXTO: CARLOS H. VÁZQUEZ

Publicada en Cambio 16 / Nº 2125, 5 Noviembre 2012

Así, en primer lugar, los críticos os ponen como “banda revelación”. ¿Es eso un cumplido o un obstáculo?
No sé, creo que estamos felices con ello. Nos sentimos honrados de que a tanta gente y a los críticos les guste nuestra música, pero debo decir que no creo mucho en ello. Hoy en día, lo de ser banda revelación está sobrevalorado. Supongo que el objetivo es ser una revelación en todos los discos. Con esto quiero decir que no queremos seguir haciendo la misma cosa una y otra vez, sino que buscamos sorprender.

A pesar de haber firmado por un sello discográfico tan repentinamente…
¡Desde luego que no esperábamos firmar con una multinacional tan rápido! Ni siquiera, creo, que nuestra música pueda hacer que alguien se fijara en nosotros en cualquier momento. ¡Ni siquiera creo que pueda convertirme en un músico a tiempo completo! Era un sueño que todos teníamos, pero nunca esperábamos que sucediera así. Cuando firmamos con EMI estábamos tan emocionados que les dijimos que por supuesto teníamos un montón de canciones, cuando en realidad sólo había 4 o 5 terminadas (risas). Por lo tanto, comenzamos a trabajar mucho. ¡Estábamos muy motivados! Después, vino el vértigo con el disco, la gira…

“Music for a while”, fue un éxito en Francia gracias a ‘Get around town’, vendiendo más de 100.000 copias y ganando dos nominaciones a los Victoires de la Musique en la categoría de Mejor Álbum Debut y Mejor Actuación en Vivo. Difícil de creer, la verdad.
Simplemente, no lo podía creer. Pero como estábamos constantemente en el camino, el éxito de la música -de un tiempo a esta parte- fue una especie de resumen. No se escucha la radio, no se leen periódicos, no se centra uno en lo que se tiene que centrar… Así que lo único que cambia es el número de personas que vienen a vernos a los conciertos. ¡Eso lo hace agradable! Fue ahí cuando empezamos a escribir nuevas canciones. No podíamos evitar lo que se nos venía encima.

Era un primer paso. Había que tomárselo en serio, vaya.
Siempre hemos pensado que los tres juntos tenemos algo especial. Cuando empezamos a trabajar juntos, la gente se sorprendió por el sonido que teníamos. ¡Y eso que no se calculó nada! En un primer momento, yo tocaba con Ambroise con dos guitarras y dos voces, pero cuando Jérémie se unió a nosotros, nos dimos cuenta de que nuestras tres voces y el chelo quedaban muy bien juntos. Pero también estábamos trabajando en otras cosas o estudiando a la vez. Ya te digo, no pensábamos en que nuestras canciones podrían convertirse en populares.

Y todo comenzó con la idea de hacer “música de cámara” en una pequeña habitación. En tiempo de crisis, ¡el talento sale!
¡Exactamente! En París no teníamos ningún sótano o garaje para hacer algo de ruido. Tampoco queríamos hacer ruido en el piso porque eso iba a ser bastante molesto para los vecinos, así que tuvimos que tocar sólo con la guitarra acústica y en voz baja. Esos límites nos ayudaron a crear nuestro propio estilo. Y también, debido a que los clubes y bares de París no eran lo suficientemente fríos como para tocar, empezamos a hacerlo en casas de amigos y tal. Fue así es como empezó nuestra “música de cámara”.

Bueno, también hay que agradecerle algo Elliott Smith, ¿verdad?
Sí, Elliott Smith nos mostró un camino que nos ayudó y nos entusiasmó mucho. Compartíamos las mismas referencias, pero nos enseñó a hacer algo más personal. Él es quién realmente nos inspiró a escribir nuestras propias canciones.

Después vino la gira por Estados Unidos…
Cambia un poco la manera de cantar, eso seguro. Nos quedamos sorprendidos por la reacción de la gente de allí. Estaban alegres y entregadísimos con nuestras canciones.

¿Por qué cantar en inglés y no en francés? ¿Cantar en Inglés abre más puertas (comercialmente hablando)?
Sí, lo hace, pero nunca pensamos en eso. Cantar en inglés es algo natural para lo que queríamos hacer: armonías vocales. Hay un montón de cantantes franceses que amamos, pero siempre cantan en solitario. Las armonías vocales no suenan tan bien en francés. Eso sin contar que todas nuestras influencias son inglesas o americanas.

Bueno, hablemos de “Let go”. ¿Es el resultado de haber viajado tanto?
Si no estábamos haciendo música, estábamos dejando todo parar ir de gira, así que todo lo que hicimos se centró en esos viajes. En primer lugar (y durante dos años) estaba Francia. Luego, un poco más tarde, Alemania. Bélgica, Suiza y, finalmente, Estados Unidos y Canadá. Durante esos años, nuestra música ha cambiado mucho, al igual que nosotros mismos. Es difícil describir todo lo que está pasando en la gira, la atmósfera, lo que se aprende como músico y como persona. En cierto modo no deja de ser una especie de diario de ruta.

Personalmente, había notado mucho ese cambio de sonido tan definido. ¿‘Wind song’ o ‘Losing you’ serían un ejemplo de ese cambio?
Sí, incluso se hizo un vídeo musical con fotos de nuestros viajes por la zona de América del Norte. ‘Losing you’ se publicó por primera vez en un EP acústico, aunque se convirtió en algo muy diferente a lo que sonaba en la gira y luego en el álbum. Me encanta la batería y las partes de bajo. ‘Wind song’ nació como una balada acústica, pero queríamos que tuviera más ritmo en el escenario y así fue como se convirtió en lo que es ahora. Ambas canciones han evolucionado dramáticamente en el escenario. Has acertado de pleno con esos ejemplos.

Aunque ‘The letter’ y ‘My lady’ recuerdan vuestros primeros tiempos.
Estás en lo cierto. ‘My lady’ es muy “Pop de cámara”. Queríamos que el disco tuviera más contrastes que el anterior.

Supongo que el trabajo de Julien Defauld influyó significativamente en el sonido. ¿Por qué él y no otro?
Habíamos trabajado juntos en la música por un tiempo y quería impulsarnos aún más, ya que ambos habíamos cambiado mucho en esto. Por lo tanto, ya sabíamos que podíamos trabajar bien juntos. Era como una nueva reunión. Julien es un productor y una persona increíble. Por cierto, este álbum es el primero que se graba en su propio estudio.

¿Y qué me dices de las contribuciones por Pino Palladino y Maxime Garoute?
Maxime ha estado tocando con nosotros desde el primer álbum. Es un gran amigo e influencia, la gira con él nos enseñó mucho. Por otro lado, él es un gran fan de Pino, a quien había descubierto por “Voodoo” de D’Angelo. Por eso, cuando Julien le ofreció a grabar el bajo, todos se volvieron locos. Pino es uno de los músicos más increíbles que he conocido, y una persona súper agradable. Grabar con él fue una gran experiencia.

Creo que ahora el listón está muy alto. Hoy se puede ser “banda revelación” y mañana “banda decepción”.
Como he dicho antes, es mejor no pensar mucho en ello. Tenemos que hacer lo que realmente queremos hacer, incluso si es arriesgado, aunque sea diferente de lo que te asegure el éxito. La gente reconoce la honestidad, se puede sentir. No estamos asustados, ya estamos cambiando y trabajamos en nuevo material. Tocar demasiadas cosas seguras, manteniendo las cosas de la misma manera y repitiendo la misma fórmula, sería realmente decepcionante. Tenemos mucho por hacer y vamos a estar todo el tiempo que sea necesario para sorprender.

Luis Auserón: La vida sin el hogar.

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“Me ha costado mucho trabajo hacer todas estas letras tan dramáticas porque era como volver a enfrentarme al toro”.

“Lobo es el hombre para el hombre, y no hombre, cuando desconoce quién es el otro”, escribió Plauto en su obra “Asinaria”. Luis Auserón (Zaragoza, 1955) se ha mantenido entre las luces y las sombras de la música, de la literatura y, como no, de lo vital. Distintas personas dentro de una misma que van a parar en “Lejos” (Sony, 2012), un último trabajo discográfico que va más allá de las notas para centrarse en la escucha y el pie sobre el freno para escucharse y no saltar. Un diván eterno.

TEXTO: CARLOS H. VÁZQUEZ
FOTO: GONZALO JEREZ “EL SELENITA”

Publicada en Cambio 16 / Nº 2121, 01 Octubre 2012

Lejos porque no estás en casa y lejos a modo de reflexión. ¿Más reflexivo que introspectivo?
Las dos cosas: introspectivo y reflexivo. Hay momentos en la vida en los que tienes que parar y reflexionar sobre lo que pasa.

¿Te refieres a parar de golpe?
A un susto.

Que no eres un coche con ABS, vaya.
No mucho. Yo nunca he sido muy ABS. Recuerdo algo que venía pensando ahora en el coche cuando me preguntan por el tipo de disco que he hecho.

¿Y qué tipo de disco piensas que has hecho?
Yo digo que es un disco para conducir despacio. Me gusta mucho esa definición. Antes siempre iba a doscientos, tenía coches muy potentes con los Aerosmith a todo volumen. Pero ahora, debe ser que me he hecho un hombre y escucho música de manera más relajada.

¿Cat Stevens?
No, con Luis Auserón (risas). En serio, ahora estoy con Richard Hawley, David Bazan, Mark Lanegan… unos low riders.

Diría “Easy Rider” como película definitoria, pero creo que te pega más “Mad Max”.
Pues la verdad es que me identifico más con “Easy Rider” que con “Mad Max”. Cuando la vi, me gustó mucho y todos nos empezamos a peinar como ellos porque nos parecían fantásticos. Pero en realidad era una pelea de hippies contra punkis, que es lo que no me gusta. Lo he pensado ahora…

…ahora que te has hecho un hombre.
Sí. No me gusta esa idea de que los vestidos de blanco sean los buenos y los de negro los malos, no. Ya te digo, me identifico más con “Easy Rider”. El otro día la vi por enésima vez porque me vuelven loco las motos. Y, además, cuando yo la vi tenía una manera de pensar muy concreta, pues era un adolescente y me estaba formando. Pero últimamente he llegado a la conclusión de que no he cambiado ni un pelo. Es decir: no me bajo de la moto.

Haces bien.
Lo que pensaba entonces, es lo que pienso ahora. Pero más o menos, con algún matiz.

Con integridad.
Sí. Con algún matiz y alguna pequeña apreciación, pero pienso que los malos son los malos y los que van en moto son los buenos. Toda una cosmología que ya estaba definida en “Easy Rider”. Muy bien definida, por cierto. Hay que saber quién es el enemigo, cuál es el peligro, por qué los hippies se van al campo a hacer comunas… porque no es una moda, tienen un motivo.

Un motivo y una forma de vida.
Más bien es una reacción a una sociedad enferma.

¿Una reacción?
Claro, hay que protegerse. La sociedad, exactamente la americana de aquel momento, estaba tan enferma, que lo mejor era hacerse una comuna. Solos, sin ellos. Sin los malos.

¿Es entonces indispensable tener encima una navaja, como dices en la canción?
Si estás en la ciudad, sin ninguna duda.

¿Para luchar contra los malos?
No, para que no te falten al respeto. Si puedes continuar tu discurrir sin el conflicto, mucho mejor. Yo no voy buscando pelea por la calle. Ahora, tampoco me gusta que abusen de mí.

Vamos, que la llevas como medida disuasoria.
Hay que enseñarla de vez en cuando.

Y sin usarla.
Es que la sangre mancha tanto… No me gusta, mancha. Mancha mucho.

También dices que “Lejos” es un disco hecho desde la decepción y la soledad.
Sí. [Silencio] Es que… ¿cómo contarlo pero sin contar nada? Veamos: cuando te van las cosas bien, digamos que eres feliz porque no te paras a reflexionar. Sería un error y se te podría desmontar todo para, de repente, descubrir cosas que te dejen en una situación un poco inestable. Entonces, no es necesario reflexionar tanto. Es mejor tirar adelante y divertirte.

Ahora, cuando la vida te enseña la cara B, entonces tienes que tirar de todos tus resortes y mecanismos para poder entender que pasa e imaginar una vía de salida. Como escribir en un cuaderno, por ejemplo.

¿Como hundirse con un barco y pensar tarde en los botes salvavidas?
Bueno, piensas en que puede ser peligroso el hecho de que se hunda, pero esperas que no te pase todos los días. Por esa razón, hay que imaginar una serie de recursos vitales, artísticos… a todos los niveles, porque todo cae al mismo tiempo cuando no te sientes capacitado para sonreír y tampoco te sientes capacitado para escribir una canción. En esa situación tienes que recuperar todo a la vez.

Sin retroalimentar tu propia angustia, imagino.
Hay dos maneras de tomártelo. Me ha costado mucho trabajo hacer todas estas letras tan dramáticas y como muy sobrecogedoras porque era como volver a enfrentarme al toro. El caso es que cuando llegué a Santander y se lo enseñé a Maki [el productor, Fernando Macaya], dijo que era lo que más le gustaba. Yo, de hecho, siempre estaba intentando hacer una canción un poquito más alegre o menos trágica, pero Maki decía que eso no podía ser, que no me salían porque lo mío era hacer esto. Así que bueno, hicimos un LP de esta temática para quitarme de encima toda la basura.

¿Cómo un psicólogo, un psiquiatra, una terapia…?
Una terapia. Estoy mucho mejor después de hacer este disco, pero no me gustaría imaginar que hubiera pasado si no me lo cuento a mí mismo en un cuaderno. A lo mejor se enquista y se convierte en tumor. Yo prefiero que no.

En ‘Niños’ se nota bastante. Un tema muy duro.
Sí. Al igual que con las ideas positivas, que una te lleva a otra, también una idea negativa te lleva a otra. Por eso pensé que tampoco me gustaba mucho mi pasado. Tengo quejas sobre mi pasado.

Todos tenemos quejas -alguna vez- sobre nuestro pasado…
Tampoco es nada grave, pero puestos a comentar… también hay que comentar. Soy una persona a la que le cuesta mucho olvidar. Perdonar, para mí, es relativamente fácil, pero olvidar no lo es. Prefiero saber. Mi carácter es un poco rencoroso.

¿Al igual que un gato?
Guardo memoria de la herida.

¿Pero llegan a cicatrizar esas heridas?
Sí, sí. Pero es como todo; lo mejor es sacarlo a la luz para poner las cosas en claro y decir qué cosas o rollos no te gustan.

Hay que aceptarlo.
Claro, lo aceptas para que luego ya sea más fácil de aceptar. Pero si tienes algo de lo que quejarte, lo mejor es hacerlo cuanto antes. ¿Para qué guardarlo? Nada, hay que dar curso a esas cosas.

Cosas que pueden dar miedo, por otro lado, como los recuerdos.
Totalmente. Dan mucho miedo.

Si no me equivoco, fue en el 2010 cuando Macaya te ayudó a sacar esas canciones.
Así es. Hablar tan claro sobre ciertas cosas pude ser algo un pelín delicado. Y ahora… bueno, una vez que tienes música y todo alrededor, te sientes bien.

Mantenerse ocupado ayuda a estar fresco.
E incluso despierto.

Por eso antes indicaba que este disco ha sido un buen psiquiatra. De haber escondido esos pensamientos, tu vida pudo haberse convertido en un manicomio.
¡Hombre! Es que no te imaginas cuanto. Se habría convertido en algo malsano. No soy una persona especialmente positiva ni optimista, pero quiero decir que tampoco me interesa la autoflagelación ni la autodestrucción. En principio. Si tienes que vivir, tienes que vivir lo mejor posible.

Ahí cabría preguntarte si el pesimista se hace o se nace.
[Silencio] Yo creo que se nace.

¿Y crees que podría ir a más a lo largo de su vida?
Claro, aderezándolo con un colegio de curas, sumado a un poquito de política… te puedes quedar estupendo.

Y las mujeres.
No. Vamos a hablar bien de las mujeres… al menos en esta entrevista (risas).

Pero existen canciones que han surgido gracias al daño de ciertas mujeres.
Exacto, al daño. Pero es que los hombres somos muy quejicas también. Las mujeres creen que tenemos una fuerza sobrehumana y que somos muy fuertes y muy duros, y que cuando venga el lobo las vamos a defender.

Aunque luego no lo hagas.
Sí, aunque terminas haciéndolo. Pero resulta que luego eres más moñas que ellas o más. Y no pasa nada, yo defenderé a la chica del lobo. Ahora, luego me tendría que poner un montón de tiritas (risas).

Hablemos de las fotos del disco: oscuras y demás, pero en la última sales sonriendo.
Fue idea de Gonzalo [Gonzalo Jerez “El Selenita”] acabar la secuencia de fotos con una puerta abierta.

¿Sonora?
Y Estética y vital. Evidentemente, nuestro centro de operaciones es la foto de la portada; que es extremadamente dramática, pero como en la sesión había varias, Gonzalo –que es muy inteligente y le pagan para pensar- decidió hacer esa secuencia. Supongo que oyendo el disco te das cuenta de que se dicen muchas verdades, pero creo que la gente no se está dando cuenta. He tratado de introducir versos en los que había algo de sentido del humor. A lo mejor uno tarda en darse cuenta, pero sí lo hay.

Ironía, diría.
Sí. Es decir: partiendo de un análisis de la situación desde un punto de vista dramático, también podemos tener la capacidad de tomar una cerveza con los amiguetes.

Muy Berlanga, vaya.
Y muy latino.

Aunque no sé si encontrar irónica esta frase: “Qué frío tengo, qué solo estoy, me voy a echar a perder. Qué hago aquí y quién soy yo, será mejor ir a dormir”.
Ese trozo que has elegido es totalmente duro. Hay dos o tres canciones que hablan un poco de la inadaptación dentro de un mundo rarillo porque uno no se siente muy ubicado. En ese caso que citas, estoy hablando de amor, digamos. Era de no saber si irme a la cama y estarme quieto para no tocar nada para no romperlo.

Dices que la vida va por sitios raros. ¿La tuya o en general?
Hombre, pienso que tampoco soy tan especial. Compartimos las particularidades de cada uno, pero en general somos todos iguales. Todos respiramos, nos enamoramos… somos muy parejos. Estoy convencido de que esas conclusiones que he escrito en esas canciones ya las había pensado antes alguien más.

Pero nadie antes las había sacado a la luz.
No, tampoco. Ya te digo que no soy nada especial. Ya te acostumbrarás (risas).

Luis, ¿pensaste alguna vez en el suicidio?
¿Se puede preguntar eso en una entrevista? Hablar del suicidio es una cosa muy delicada. Entre colegas estaría bien, pero en público puede ser malinterpretado.

En mis entrevistas, sí.
[Silencio] Sí… pensé en ello.

¿En el físico?
Sí.

¿Y en el social?
He pensado muchas veces en irme a Chauen para desaparecer un poco. Es una idea que todavía barajo; desaparecer del mundo occidental.

Es mejor que el suicidio físico, sin duda.
Desde luego. El otro día alguien me dijo en Facebook que si pillas vicio al suicidio hay que tener cuidado porque es algo que no se pude repetir (risas).

The Cabriolets: Eternamente completos.

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“Que nos llamen modernos nos parece una actitud muy provinciana”.

El animalario espectral y musical de The Cabriolets comprende la vida y la muerte de la canción como algo trágico dentro de “El feo” (Warner, 2012), la última entrega de Bimba Bosé, Pablo Serrano y Diego Postigo (con la inestimable guitarra de Manuel Cabezalí). Suena como tiene que sonar, pues su grabación en directo no deja más dudas al respecto. Al César lo que es del César.

TEXTO: CARLOS H. VÁZQUEZ

Publicada en Cambio 16 / Nº 2125, 5 Noviembre 2012

“El feo”, un disco compuesto íntegramente en el local como también se compuso “Close”. No sé si esto sirve para minimizar o sintetizar en sí la labor.
Bimba: Realmente mentimos (risas).

Diego: Bueno, el anterior fue parcialmente grabado en directo. Hubo más recordings y tal, pero “El feo” se ha hecho en directo de verdad.

Pero… ¿directo de verdad?
Bimba: Falso directo. O sea, quiero decir que “Close” era falso directo y “El feo” es en directo.

Diego: Directo de “un, dos, tres… ¡todos a una!”.

Claro, yo entiendo eso como un grupo tocando a la vez en el estudio. Sin público, claro.
Bimba: ¿Te refieres a como se hacía en los setenta?

Efectivamente.
Bimba: Es grabar todo a la vez, del tirón.

Pablo: Bueno, en los cincuenta también se grababa así, sin pistas, con un micro en medio.

Bimba: Y en los setenta. Hay discos de Led Zeppelin que estaban hechos de ese modo.

Me he dado cuenta que este disco tiene muchísimo chorus en las guitarras.
Bimba: Eso es cosa de Manu [Manuel Cabezalí], tiene un vicio… (Risas).

Aunque los bajos ya estaban muy marcados en ‘Shinning’ de “Close”. Pero me pregunto si este tipo de cosas son ideas de cada uno o si se discuten en consenso.
Diego: Ahí no interviene nadie. Si por ejemplo, Pablo saca una serie de sonidos yo no le diré nada.

Pablo: Ya que sacas el tema, no me dejasteis meter nada. Quise meter algo electrónico y no hubo manera (risas).

¡Vaya! Salieron los trapos sucios.
Bimba: (Risas)

Pablo: Pero sí es verdad que cada uno tiene su sonido y que todo encaja, aunque no sé por qué le ha metido tanto chorus…

Diego: También es cierto que, como tamaño, teníamos ganas de sonar más grandes. Y también, al no hacer recordings de guitarra, Manu quería hacer un sonido con mucho tamaño y con efectos que llenara mucho. Bueno, y el silencio. Manu trabaja muy bien el silencio.

Bimba y Pablo: (Risas)

Diego: ¡Es verdad!

Bimba: Es una frase genial (risas).

Diego: Pero creo que sí, que al ser un trío y querer sonar grandes, no hay mucho efecto. Piensa que no hay dos guitarras en ningún momento. Siempre hay una guitarra aunque parezca que hay tres.

Entonces, ¿se trata de una anarquía?
Bimba: No, se sueltan las cosas así sin más. Probamos cosas y ya está. Aunque si es algo que nos cruje mucho, no se queda.

Diego: Pero todavía no ha pasado nada así que podamos llamar “descalabro”.

Bueno, siempre hay alguno…
Bimba: Sí, con tu aparatejo (risas).

Pablo: Sí, aquello fue…

Y suena a The Cure. ¡Para que luego os llamen modernos!
Diego: Y es cierto. Manu es una de las influencias, aunque de manera inconsciente.

Bimba: Claro, eso te iba a decir. No es un camino por el que vayas a ir, ¿sabes? Es que es algo que hemos mamado en un momento determinado de nuestras vidas, así que por eso es inevitable que aparezca.

Vale, ¿y lo de que os llamen modernos?
Diego: Creo que eso que nos atribuyen de “modernos” es una cosa como muy de pueblo.

Bimba: Que nos llamen modernos me parece una actitud muy provinciana. Pero es que no entiendo por qué a mí me asocian con la modernez. ¿Es porque me corto el pelo de esta manera? No lo entiendo. Este corte siempre se ha llevado. Son cosas de patio de colegio.

Bueno, la modernez puede ir por dentro y no en la estética.
Pablo: Es que es algo que nunca he entendido muy bien. ¡Y no lo somos! Sinceramente, si yo fuese de moderno, lo diría.

Diego: Puedes hacer un disco de House, Techno… pero es que no entenderé jamás el concepto de ser moderno.

Bimba: Es una palabra que está sobrevalorada y muy mal usada. Moderna era Mina en su época, que era tremenda. ¡O Rita Pavone! Tenía una soltura…

Pablo: Además, se utiliza de una manera despectiva. ¿Sabes lo que te quiero decir? Hay gente mucho más moderna que nosotros, como las nuevas generaciones de veintipocos.

Bueno, la etiqueta “facilita” las cosas para muchos a la hora de encasillar.
Bimba: Ya.

Pablo: ¿Quieres un titular?

¡Venga!
Pablo: Para mí, modernito es Marc Anthony o Pitbull.

Bimba: (Risas).

Justifica la respuesta.
Pablo: Es que todo depende del contexto cuando quieres decir que alguien es o no moderno. Quiero decir: para alguien que ha escuchado durante toda su vida música folclórica caribeña, que de repente aparezca Marc Anthony con una big-band gigantesca vestido con ropa ajustada y con Jennifer López de la mano, es modernito.

Bimba: Es que moderna… sería para mí Lola Flores cantando Rap.

Entonces… ¿Andy & Lucas serían los modernos comparados con Manolo Escobar, por ejemplo?
Bimba: Exacto. Muy buena comparación, por cierto.

Volviendo a vuestro sonido ¿Cuánto dura el ruido de ‘Stars’? Si no es por el fade-out…
Bimba: Es verdad. Duraba mucho, me acuerdo. De hecho, sigue sonando todavía (risas). Se ha quedado en el aire.

“El feo”: un título en inglés para canciones en castellano. Grabado, efectivamente, en Molino del Feo. Aunque yo lo veo, respecto a los anteriores, como una sucesión…
Bimba: Totalmente. Incluso estoy de acuerdo contigo y lo veo como “El bueno, el feo y el malo”. O sea, el primero era el bueno, el segundo el malo…

Diego: No, el primero era el feo…

Entonces, ¿este sería el malo?
Diego: No, el orden correcto sería: el malo, el feo y el bueno.

Bimba: Eso es. El malo, según él, era el primero.

En ‘Sasdist’ se puede escuchar “glory” y “aleluya”. ¿Cuánto tenéis vosotros de creyentes?
Bimba: Cero (risas).

Pero ojo, estoy diciendo creyentes, no católicos.
Bimba: Bueno, eso sí. Creemos en muchas cosas y tenemos mucha fe también.

Pablo: Para lo agnóstico que soy, cuando coincido con gente que es muy creyente, hay algo que envidio porque esto de no creer en nada puede ser muy difícil. No creo en Dios, pero sí en cosas terrenales. Aunque es cierto que últimamente estoy sintiendo cosas con la música, tanto tocando como escuchando, y eso me hace sentir que hay algo más. Pero es todo a través de la música. Mira, últimamente estoy escuchando a Bach y siento cosas que nunca antes había sentido.

¿Hablamos de algo místico?
Pablo: Algo así. Noto que me voy a otro sitio.

Bimba: Yo tampoco tengo una creencia en algo, aunque algo superior tiene que haber porque estamos en un Universo que está hasta arriba de cosas. Eso ya me parece algo superior a nosotros, que no somos más que una mierdita de nada. Pero creo que la fe es importante para conseguir ciertas cosas. Se puede creer ciegamente en algo, aunque no sea en un dios en concreto.

Diego: Esa canción, de todos modos, habla sobre los fanatismos religiosos y no religiosos. El llevar las cosas al límite sobre un personaje un poco incomprendido que está harto del mundo. Es curioso, porque poco tiempo después de que Bimba escribiera esta canción, sucedió la matanza aquella en Noruega. Este tipo habla de aniquilar.

Era masón, por cierto.
Pablo: Cierto. Se ve cómo iba vestido el tío, y tenía toda la simbología masónica. Era muy bestia.

Bimba: ¡Vaya tela! No pude llegar a más. La noticia me impactó tanto, que dudé en sacar esa canción por temor a que me llamaran oportunista o algo así. Pero no.

Pero ya ha pasado tiempo.
Pablo: Además, ese tipo estaba cumpliendo un ritual. En nuestro caso, creo que no tiene nada que ver con ese rollo.

Bimba: Tiene que ver más con la historia de un mártir que escribe un diario antes de subirse a un avión e inmolarse. Me encantaba como era capaz de fantasear para meterse en ese papel.

¿Es el orden de las canciones de “El feo” una especie de ritual? Empieza muy potente con ‘Hands’, pero acaba con ‘Arquitecture’ con la frase “welcome back”.
Bimba: Esta vez no decidí ningún tipo de orden, pero tampoco es un batiburrillo. Aunque hay una canción extra [‘Morita’] que está al final de ‘Arquitecture’. Y hay otro tema también, instrumental, pero que no es nada en particular.

Pablo: A mí me gusta pensar que el disco termina con ‘Morita’ porque es más cañero.

Yo lo veo más teatral y con un desenlace trágico.
Bimba: Sí, la verdad es que es bastante trágico.

¿Muere mucha gente en este disco?
Bimba: Mucha más gente que en el otro. Es verdad que “Close” tenía un punto más… ¿optimista? No sé, diría que tenía un punto de vista más dulce y tontorrón.

Pablo: Más superficial.

Bimba: Más oveja.

Más diabético.
Bimba: ¡Exacto! “El feo” tendría un punto más canalla… resentido, ¿no? Pero bajo el sentido de sentir otra vez, no con el contexto negativo. Aunque yo no soy muy resentida, soy desconfiada. Eso se queda un poquito ahí.

Eso lo veremos en directo, ¿no?
Pablo: Es que la fórmula con la que hemos grabado, tocando los cuatro en directo, es lo que se va a ver. Tal cual.

¿Con el mismo espíritu?
Pablo: Es que al final… es como irte de copas. Puede ser una noche increíble pero también puede ser una noche de mierda. En directo sucede algo así puesto que nunca sabes qué va a pasar.

China Patino: Estallidos de guerra.

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“La coraza pesa en la vida real”.

No se puede meter a la China Patino en el saco de cualquier etiqueta o en el sector de un tipo de mujer específico. Ella puede ser tan fría como un témpano o tan caliente como las brasas. Su estrategia es enfrentarse con naturaleza salvaje a lo que se le venga encima corroborando que su etapa en Cycle sirve para contener un temperamento que ha florecido en largas emanaciones de sexo en “De amor y muerte”, su único trabajo en solitario.

TEXTO: CARLOS H. VÁZQUEZ

Publicada en ChopperON / Nº 48, Agosto 2012

Hallábame revisando foros (y links varios) donde comentaban tus fotos en Interviú y me di cuenta de que la gran mayoría (por no decir todos) no estaban conformes con el posado. ¿Sería impotencia de no llevarte a la cama?
(Risas) Sí, me pareció que criticaban más que deseaban. En los foros ya se sabe la clase de gente que hay, pero para mí fue lo esperado. Cuando me llamaron para hacer el posado lo primero que pensé fue no hacerlo por pudor, pues soy una persona más tímida que otra cosa, y sabiendo el circo de personajes que rueda por esas portadas, no me vi preparada para mostrar con sensualidad un desnudo. Unos años atrás trabajé en la Facultad de bellas artes posando como modelo; desnuda, delante de 30 o más alumnos. Aquello me pareció una experiencia preciosa. En el caso de Interviú, acepté por la pasta, lo primero, y por superar mis prejuicios. Aún así me puse una peluca e intenté hacer una parodia de famosa cachonda (risas). De todas las fotos que hicimos, la revista eligió las que crearan más polémica. No me importó porque no es mi meta que me aplaudan un desnudo en Interviú.

Pero seguramente se habrá derramado mucho semen con esas fotos…
(Carcajada) Hmmm… si es así, me gusta mucho más la idea. Alguno te habrá llegado para que le firmaras la portada. Lo que no sé es si te habrá hecho alguna confesión de cama. Alguno hubo, pero para echar unas risas sin más. La gente es bastante respetuosa en ese sentido. No tengo problema.

Supongo que te pasarás por “el arco del triunfo” la opinión de los demás… en este caso sobre tus tetas (por ejemplo).
¡Vaya pregunta, tío! Más que una entrevista erótica parece una rueda de preguntas de La Noria…

Sin embargo, el reparo por mostrarte es nulo, pues de hecho subes fotos totalmente sugerentes a Facebook.
Como antes te he comentado, trabajé en la Facultad de bellas artes para posar desnuda como modelo. El erotismo me fascina y me encanta.

¿No te salen babosos por Facebook?
No muchos. Alguno hay que quiere ligar, pero por lo demás está todo bien. De todas formas, alguno he tenido que borrar, pero por maleducado y rabioso, no por baboso.

“Coqueteo con el porno con mis novios en la cama”.

“Me gustaría ser una estrella del porno, pero mis prejuicios y mi educación cristiana no me lo permiten”, dijiste en una ocasión.
(Risas) ¡Ay, querido! Es que soy muy puritana, ¿sabes?

¿Nunca has coqueteado ni una micra con el porno?
Coqueteo con el porno con mis novios en la cama. Ya sabes…

Como el pasearte desnuda por Madrid en ‘You talk too much’.
Así fue. Aquello me excitaba y me hizo tener un subidón brutal de adrenalina.

Aunque no sé si la excitación estaría intrínseca también ahí. Igual te pusiste cachonda siendo vista por la gente de Gran Vía. Además, un sábado a las dos de la mañana. ¡Casi nada!
Excitarse no implica en todos los casos ponerse cachondo. Andar desnuda por Gran Vía a las dos de la madrugada un sábado en pleno verano es alucinante. El calor de la ciudad, el ritmo de la gente, los coches, la velocidad, los neones… fue como hacer nudismo en una playa. Lo sientes todo en tu piel.

También parece que os pusieron a caldo por ello. Incluso os acusaron de copiar el vídeo de ‘Baby, baby, baby’ (Make the girl dance). Ya son ganas de tocarlos…
Normalmente, me ponen a caldo por todo lo que hago. Tengo fans y “odiadotes” a partes iguales. El videoclip de ‘You talk too much’ fue una idea del realizador que nos pareció genial al grupo, y más tarde vimos el video que mencionas. Pero mucho después descubrí otro clip de Erykah Badu parecido. Creo que la idea de desnudarse en sitios públicos ya lo hicieron otros mucho antes…

“La cama me gusta para dormir y el sexo me gusta en todos los otros lugares, posibles e imposibles”.

¿Esa misma sensación del video es comparable a la que puedas sentir en el escenario?
Es parecido pero a la vez es diferente. Date cuenta que en el escenario desnudas tu corazón… aunque vayas en bragas.

¿La ropa interior puede ir acorde con un vestido?
Me gusta la ropa interior, claro. Antes de salir al escenario pienso qué puedo ponerme por dentro… aunque hay veces en las que no llevo absolutamente nada.

Aunque sutil, por las fotos que subes no se te ve muy porno, más bien diría que insinuante. Cosa que, por otro lado, es bastante más excitante. ¿Juegas a eso también con las canciones? Ya sabes, decir lo que quieres sin que sea algo aparente.
“El último tango en Paris” es una de mi películas favoritas, con eso ya te digo todo, así es mi imaginario en el sexo. En Cycle, mi canción favorita es ‘Apple tree’, un tema supererótico sin decir nada explicito. En mi disco “De amor y muerte”, ‘Coca’ es una canción de la que me siento orgullosa por esa misma razón. “Quiero ser para ti lo que te imaginas”.

¿Se comporta en la cama de igual manera la China que Silvia Herreruela? Y no me refiero a dormir…
La cama me gusta para dormir y el sexo me gusta en todos los otros lugares, posibles e imposibles.

¿Ser trasgresor se ha convertido en algo plástico llevado al extremo por el “postureo”?
Sí. Totalmente.

Como dijo David Mamet, “esta es una profesión de putas”.
Sí, putas del sistema.

O “artistas de mierda”, como también dijo Iván Ferreiro. ¿Tan mal están las cosas como para dejar ver –de cara a la galería- que no lo es tanto?
Esta profesión tiene mala reputación. No se valora nada, sobretodo en este país. Eso es así.

“Antes de salir al escenario pienso qué puedo ponerme por dentro… aunque hay veces en las que no llevo absolutamente nada”.

Por cierto, “De amor y muerte” quedó como tu primer disco fuera de Cycle. ¿Duele tanto siendo la primera vez, como dicen? Ya sabes, jugando con el tema sexual y lo que cuesta sacar adelante un proyecto por tu cuenta y riesgo.
“De amor y muerte” fue una propuesta de la discográfica en la que estaba. Lo compuse en un año y con mucha presión. Tengo colegas en la profesión que se lo han currado mucho más que yo y sin ayuda de ningún tipo. Ahora que estoy fuera de todo, sí que veo lo duro que es sacar adelante un proyecto.

No obstante, no parece haber demasiada prisa por sacar algo nuevo, ya sea por tu parte o con Cycle. Incluso estás más inmersa en pinchar y en estar con tu hija, cosa más amable per sé.
Entre el primer y segundo disco de Cycle ya han pasado siete años, así que es buen momento para probar cosas nuevas. Y claro, esté el dedicar la mejor energía a mi hija. Queda, además, la tele o el teatro, pero con los recortes la cosa anda jodida y la televisión es una puta mierda.

Aunque la pregunta va hilada con la anterior… ¿salen proposiciones y te las tomas con calma o pasas directamente hasta que tengas ganas?
Como te decía, llevo siete años dedicada a al música. Por el medio de la historia salió Ipop, el programa del segundo canal de TVE. Ahora van saliendo cosas, pero despacito y con buena letra.

Pero persiste la persona. Pese a lo que quieran imponerte por estética o por prejuicios, nunca mostraremos el total de nuestra persona. Supongo que la China Patino se muestra más hostil que Silvia Herreruela por algún tipo de coraza.
La China Patino es un personaje que inventé en mi compañía de teatro. Ese mismo personaje lo metí en Cycle, y como por arte de magia, la gente empezó a creérselo… la femme fatale… No sé, yo vengo del teatro, del mundo de los actores, y ahí no hay confusión. Cuando te quitas el maquillaje eres uno más. La coraza pesa en la vida real.

Ana Hernández: Velvet sauce.

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“Tengo que reconocer que uso más tanga que culotte por el mero hecho de que me es más cómodo”.

Completamente seria y honesta, Ana Hernández se muestra mucho más desnuda con la voz que con el cuerpo, y eso que ha hecho desnudos integrales. Para ella, el cuerpo es algo que tenemos todos, aunque de distintas formas y colores, pero es un cuerpo al fin y al cabo. Ha logrado vivir del modelaje con buen hacer y una mirada más que interesante. Sin duda alguna, enamora sin fulminar con los ojos. Pueden estar ustedes a salvo… o no.

TEXTO: CARLOS H. VÁZQUEZ
FOTOS: DAVID ALFARO Y MALIZE

Publicada en ChopperON / Nº 47, Julio 2012 16

¿El hecho de que se ponga de moda el culto al cuerpo puede ser perjudicial?
Bajo mi punto de vista no creo que se ponga de moda o se esté poniendo de moda ahora. Sí que es verdad que hoy en día parece que hay más afán por cuidarse físicamente tanto por dentro como por fuera pero el culto al cuerpo siempre ha existido, otra cosa es que haya sido más tabú o menos según la época y culturas. Al fin y al cabo todos tenemos lo mismo, de distintas formas o colores, pero lo mismo al fin y al cabo. Para nada lo encuentro algo perjudicial, más bien al contrario.

Aunque la primera cuestión tiene respuesta, también tiene un matiz clave. Puesto que hay más demanda por ese “culto al cuerpo” tal vez, pienso yo, que la obsesión por la moda (y seguir a los demás) de los iniciados puede ser exacerbada.
Exacto, la moda está presente en nuestra sociedad al cien por cien, pues en este mundo en el que vivimos lo que manda es el capital y que la moda evolucione y cambie, que todos nos movamos y consumamos al unísono, es lo que les interesa a las grandes marcas que manejan el cotarro (hablo bajo mi punto de vista ¡claro!)pero sí que es verdad que hoy en día, al margen de las grandes marcas que dictaminan qué se lleva y qué no, están las “subculturas” o tribus urbanas que tienen su propia moda y estilo, claro que también evolucionan y también los grandes se aprovechan de éstas para ir cambiando y marcando distintas tendencias, por lo que considerarse de alguna de estas “subculturas” (gothic, hip hop, rocker, custom, pin up, etc.) en según qué momento también puede estar de moda, así que bajo mi punto de vista entramos en un círculo vicioso que nos acaba llevando al mismo punto, consumir. Pero al margen de las modas (o dentro de las mismas, que más da…), cada uno puede escoger cómo vestirse y con qué, como bien dicen “en la variedad está el gusto” y es uno mismo el que debe crear su propio estilo acorde con su personalidad o con qué imagen quiere dar a los demás.

Y no hablamos ya del modelo PinUp, sino de lucirse con honestidad.
Bueno, es lo que comentábamos anteriormente sobre la moda… encuentro que sí que es verdad que los cánones de la moda están muy marcados, sólo basta con mirar los anuncios de cosméticos, ropa, perfumes y demás en la televisión y prensa, o en las mismas pasarelas. Ahora que has nombrado el modelo PinUp, uno de los aspectos que más me gustan de este estilo es el que no hay un estereotipo de cuerpo ligado a él, así como en las pasarelas debes tener unas medidas y una altura concreta, para ser una PinUp y poder vender puedes estar más delgada más rellena, etc. que no importa, lo que importa es tu actitud. El lucirse con honestidad va con cada uno y con cómo se siente consigo mismo.

Experiencia como modelo de fotografía, azafata de eventos, actriz en teaser, performances y videoclips… ¿todavía se te resiste algo?
¡Se me resisten infinidad de cosas! Me encanta probar cosas nuevas, pero he de admitir que no soy una persona a la que le atraigan los riesgos. Soy bastante conformista, pero a mi favor puedo decir que soy muy sociable y me encanta conocer gente nueva y creo que ha sido eso lo que me ha llevado a probar nuevos campos.

Es más, ¿has intentado alcanzar alguna meta totalmente fuera de tus capacidades?
La verdad es que no, pero mira, nunca había hecho una entrevista y ¡et voilà! ¡Aquí estoy! (risas)… Tengo claras cuales son mis limitaciones, por eso me gusta la fotografía, porque a través de la cámara, de las luces, del maquillaje y del retoque se pueden pulir mis limitaciones o acentuar las características más positivas. Nadie es perfecto, y yo mucho menos. Por ejemplo, si intentara cantar seguro que sucedería un segundo diluvio universal, (risas)…

“Me encanta probar cosas nuevas, pero he de admitir que no soy una persona a la que le atraigan los riesgos”.

En cuanto al videoclip; apareciste en ‘Sun Shaking’ de Cápsula. ¿Cómo llegaste a actuar ahí? ¿Agencia, amistad…?
Fué a través de una amistad, me remito a lo que he comentado anteriormente de que el conocer a gente nueva te da a conocer a más gente. A través de Elisenda Amorós, una maquilladora con la que acostumbro a trabajar con Malize Photography, conocí a Arkaitz Latorre, fotógrafo, que me propuso el participar en el videoclip con una productora que acababa de empezar como tal. Me encantó la experiencia, nunca había trabajado con un equipo y unos medios tan profesionales, además de que no conocía a Cápsula, y realmente fué un gran descubrimiento, tampoco antes me había parado a escuchar rock psicodélico y me gustaron mucho.

Y por gustos afines, además. Aunque te veo más próxima a Depeche Mode…
¡Me has tocado el punto débil! Depeche Mode son Dioses para mí. Me encanta la música y me encantan los conciertos. Creo que cada estilo musical tiene su momento y depende de cómo se encuentra uno anímicamente. Escucho todo tipo de música, electrónica, metal, darkfolk, rock, hardcore, industrial, pop, soul… sí que es verdad que tengo mis grupos predilectos, pero soy bastante abierta en cuanto a gustos musicales.

Tras ver la mayoría de tus sets [“Babydark”] reparo en una cosa: te encantan los posados estilo-oscuro y surrealistas. Mucho color negro, óxido… ¿Es algo que quieres plasmar como propio o la inspiración de Tim Burton es omnipresente?
Sí que es verdad que me decanto más por lo oscuro, me siento más identificada y cómoda. Además me siento muy identificada con la línea de camisetas de Babydark. No es que me inspire demasiado Tim Burton, no es un director de cine que me chifle especialmente, sí que es verdad que para mi tiene películas muy buenas como “Eduardo Manostijeras”, “Sleepy Hollow”, “Bettlejuice” o “Mars Attack”, pero no es mi director de cine preferido, me gustan más las películas de Tarantino tipo “Pulp Fiction” o de Guy Richie tipo “Revolver”. En cuanto a cine soy más de acción que no de fantasía.

A tenor de la elegancia, por supuesto. ¿Es cosa tuya también lo de elegir el vestuario para que sea lo más cercano a tu gusto?
Depende de cómo sea la sesión de fotos y con quien, y aún así nunca es cosa mía al 100%, el trabajo es conjunto, de fotógrafo y modelo, cada uno pone su granito de arena al menos de que sea algo muy concreto en el que uno de los dos o un posible cliente decida. Me gusta poder opinar acerca de los estilismos pero bien cierto es que me amoldo a todo, pues de ser por mi siempre iría vestida de negro y adoptaría las mismas posturas y actitudes, y gracias a los fotógrafos me he podido ver en distintos roles.

¿Culotte o tanga? Personalmente… me resulta mucho más elegante el culotte. No sé tú…
Tengo que reconocer que uso más tanga que culotte por el mero hecho de que me es más cómodo, odio ponerme pantalones ajustados y que se me noten las costuras o las arrugas del culotte o bragas… pero si que admito que visualmente me resulta más bonito el culotte, pues lo encuentro más sugerente y como bien dices, más elegante, ¡y si es de encaje negro ya ni te cuento!

“Al margen del desnudo integral o no, los sets [en SG] han sido realizados por muy buenos fotógrafos y a la vista están”.

Bien es cierto que en tu primer set en Suicide Girls [“Calisay”] te desprendías de un tanga para terminar tapada por una botella del famoso licor. Fue tu primer paso en SG, ¿pero fue la primera vez en la que posabas desnuda?
Sí. Además de ser mi primer paso en Suicide Girls también fué la primera vez que posaba desnuda. ¡Y qué bueno está el Calisay! Es curioso porque entré en SG gracias a que en una noche de borrachera en una discoteca en la que frecuentaba hicieron una fiesta SG, por aquel entonces yo no sabía ni lo que era ni de qué se trataba cuando se me acercó Díaz-Arri, fotógrafo oficial de SG en España y me preguntó que si conocía la página web y que si me interesaba, yo le dije que no tenia ni idea, él me explicó en qué consistía y me dio muy buenas vibraciones, así que acepté encantada.

Si lo fue… ¿te costó o ni te lo pensaste?
Al principio te planteas muchas cosas, y más cuando es algo nuevo para ti, que si qué dirán, que me juzgarán, que pensarán mis padres, mi pareja,… pero luego me paré a pensar y me dije a mi misma que si me apetecía ¿por qué no? era yo la que me estaba juzgando haciéndome esas preguntas, no los demás.

Incluso parece algo gradual. En este primer set nombrado no muestras más que tu pecho, sin embargo, en los dos siguientes [“60s Hotline” y “Stressful Birthday”] los desnudos son directamente integrales y frontales. ¿La idea era ir poco a poco?
No era la idea principal, fue surgiendo, no fue algo planeado. “Stressful Birthday” fué mi segundo set, lo hice con Ivy Llamas, fotógrafo oficial de SG en España junto a Díaz-Arri, y al ser el segundo ya estaba como más animada y confiada. Además que me encantó la idea de hacer algo distinto al anterior. “Calisay” es oscuro, tanto de luz como de estilismo, “Stressful Birthday” si embargo es una explosión de color. Y “60s Hotline” lo disparó Malize Evans, en este la idea era crear un rol de secretaria de los 60 y me lo pasé genial durante la sesión. Los tres sets que tengo en Suicide Girls me gustan porque cada uno es distinto y tiene un estilo muy marcado, al margen del desnudo integral o no, los sets han sido realizados por muy buenos fotógrafos y a la vista están.

Y no sé si la única, porque posando para David Alfaro [“It Girls”] junto a Isa Carrión no te muestras totalmente desnuda.
En esa sesión me lo pasé genial, no hay nada mejor que trabajar con amigos, ahí sí que tienes vía libre para opinar y con las ideas de todos acabaron saliendo unas fotos geniales. Con Isa Carrión, me lo he pasado teta siempre, no paramos de reír y de bromear y la cámara plasmó de buen grado ese buen rollo. Nos divertimos muchísimo en esa sesión y el resultado me encanta. Con David he hecho varias sesiones de fotos, la última para la gran Bibian Blue en pleno Paseo de Gracia un domingo lleno de guiris, (risas)… pero gracias al gran estilismo que nos creó Bibian Blue, de la que me tienen enamoradísima todos y cada uno de sus diseños, y al arte fotográfico de David salieron unas fotos geniales en las que no se notaban que me moría de la vergüenza de estar ahí en medio con un montón de personas mirándome y parándose a hacerme fotos. David Alfaro es un fotógrafo muy joven y con un gran potencial. En poco tiempo ha evolucionado muchísimo y nunca deja de sorprenderme. Le auguro un futuro de éxito por delante.

Bueno, sin olvidar el “momento” muñeca de Malize Evans. Por cierto, buen retoque para hacerte parecer una muñeca real de juguete.
Esa fotografía me encanta, hay distintas versiones de la misma, la retocada por Malize y la retocada por Jesse Harold, una photoshoper brutal de Nueva York. Gracias a Malize he podido desarrollarme más como modelo de fotografía, he aprendido muchísimo de ella, ella ha creído en mi desde el principio y me ha hecho posar como nunca lo había hecho antes. Es una profesional como la copa de un pino y tengo muchísimo que agradecerle tanto a nivel de modelaje como a nivel personal. Justo la semana pasada me fui a Suiza con ella para realizar una sesión de fotos en el H.R. Giger Bar de Gruyères y pude ver el H.R. Giger Museum a gastos pagados, para mí un sueño hecho realidad. Malize ha sido la fotógrafa que me ha impulsado y motivado a hacer de modelo y es por ello que para mi Malize es muy especial.

“No puedo decir nada en contra de ello, realmente sólo me ha aportado cosas positivas”.

Por cierto, fantásticos posados con Boris Hoppek. Es posible que sea sensación mía, pero creo que aparecer en las publicaciones o exposiciones de este hombre tiene que ser una especie de cúspide, ¿no?
Sí que es en cierta medida un tipo cúspide o más bien un reto. Boris Hoppek es toda una eminencia y fue un honor para mí poder posar para él y poder formar parte de una de sus exposiciones. La foto “Sushigirl” es una de las mejores que tengo y me costó unas agujetas tremendas, pero ¡valió la pena!

Un punto de inflexión fue también fichar por la agencia Mary Cherries. Si no fue un punto de inflexión… por lo menos resultó ser un momento importante.
Estoy súper contenta de haber fichado por la agencia Mary Cherries y haber podido conocer y trabajar con Mary Hernández. Cuando Mary me lo propuso me hizo mucha ilusión, ella es una artistaza y una persona súper honesta que se preocupa por las personas que trabajan a su alrededor. Le agradezco muchísimo que me haya dado esta oportunidad, que me haya hecho fotos y que mire por mi trabajo. Espero poder seguir junto a ella mucho tiempo.

¿Se puede vivir bien y con coherencia de esto?
¡Claro que sí! A ver yo no me dedico a esto al 100%, entre semana trabajo de secretaria y los fines de semana es cuando me puedo dedicar al modelaje. Me considero una persona con los pies en el suelo y como bien he dicho antes conozco mis limitaciones. Sé que no me podría dedicar a esto al 100% porque, en mi caso y con mi realidad, no me daría ni para comer pero mientras pueda seguiré posando y haciendo lo que me gusta porque me lo paso bien y gracias a esto he conocido y sigo conociendo gente súper interesante que me aportan cosas nuevas en mi vida.

¿Qué dirías que tiene a favor y en contra?
A favor muchas cosas, pero sobretodo el haber conocido gente interesante. No puedo decir nada en contra de ello, realmente sólo me ha aportado cosas positivas.

Dexys: De un tiempo a otro.

Publicado en

“Siempre habrá gente dispuesta a acusarte de que haces algo por dinero”.

Era 1978 en Birmingham (Inglaterra), cuando Kevin Rowland y Kevin “Al” Archer iniciaron la vida de Dexedrine, para llamarse más tarde Dexys Midnight Runners, haciendo clara referencia a los efectos de la Dexedrina. En 1979 se unificó la formación con la incorporación de “Big” Jim Paterson, Jeff “JB” Blythe, Steve “Babyface” Spooner, Pete Saunders, Pete Williams y Bobby “Jnr” Ward. Pero las desavenencias entre los miembros produjeron cortes intermitentes en la historia de la banda. A día de hoy, cambian el nombre por Dexys y editan “One day I’m going to soar”, último largo desde que viera la luz “Don’t stand me down” en 1985. Jim Paterson se encargará de repasar los últimos años del mito.

TEXTO: CARLOS H. VÁZQUEZ

Publicada en Cambio 16 / Nº 2120, 24 Septiembre 2012

Sinceramente, me alegra tener noticias del regreso de la banda. Pero yo me pregunto si ustedes vuelven tras una ruptura o si en realidad nunca se han marchado.
En mi caso, tuve una pausa de 16 años de tocar el trombón aunque continué escribiendo canciones, así que todavía estaba involucrado en la música. Kevin y yo escribimos juntos y siempre se mantuvo en contacto a través de los años.

Aunque es verdad que desde “Don’t stand me down” no han vuelto a sacar ningún trabajo más de estudio. ¿Nostalgia, quizás? ¿O era para dejar la última semilla?
Bueno, desde que hicimos “Don’t stand me down” la progresión que ha sufrido nuestra música ha sido natural, casi orgánica. Todo gracias al tiempo y al hecho de conseguir a la gente idónea que se involucrara de verdad. Y, por supuesto, a tener las canciones. No se trata de nostalgia, como tal, pero hay que reconocer el pasado porque hemos creado ese pasado.

De la grabación de “Don’t stand me down” se dijo que fue muy dolorosa. ¿El reencuentro y posterior grabación de “One day I’m going to soar” ha resultado ser igual de tortuoso?
Honestamente, no puedo recordar la grabación “Don’t stand me down” como algo doloroso. Era un trabajo duro y tuvimos contratiempos, pero mirando hacia atrás… sólo puedo decirte que se trató de otra gran experiencia. En cuanto a la grabación de “One day I’m going to soar”; en realidad ha sido una alegría, aunque yo sólo toco en una canción.

Incluso veo que se mantiene la estética de traje y corbata de “Don’t Stand Me Down”…
La ropa es muy importante para Dexys. Tenemos una broma, y es que decimos que la ropa es más importante que la música (risas). Me gusta mirar de manera inteligente a este tipo de cosas y agradecerle a la afición el esfuerzo.

¿Había un plan B en caso de que todo no hubiera salido bien?
Pues no sé… ¿buscar un trabajo? En realidad siempre tuvimos mucha fe en el proyecto y en su éxito.

¿Y qué tal es eso de continuar una banda sin sus componentes iniciales? ¿Es un riesgo a que piense la gente que ustedes vuelven por el dinero?
Siempre habrá gente dispuesta a acusarte de que haces algo por dinero, aunque no podían estar más lejos de la verdad. No estamos haciendo una gira de grandes éxitos, esto es nuevo. Incluso a las canciones más antiguas se les ha dado un giro más fresco en su sonido.

¿Todo eso tiene que ver con el acortamiento del nombre del grupo?
Estamos tratando de dejar claro en que este es el año 2012 y en que hemos seguido adelante. El nombre seguirá siendo un distintivo memorable.

Han sido 27 años y usted (junto a Pete Williams y Mick Talbot) vuelve a formar parte de la banda. ¿Cómo recibió usted esta noticia? ¿Tenía fe en el proyecto?
Kevin [Rowland] simplemente me llamó y me pidió que me reuniera con él. Cuando contó que planes había y el nivel de involucración… supuse que era una oferta que no podía rechazar. Anteriormente me pidió que hiciera la gira del 2003, pero le dije que no por razones personales. Siempre he tenido fe al 100% en Kevin y en Dexys. Son una parte tan importante de mi vida que no hay lugar para la duda.

Usted ha compuesto gran parte de las canciones de este LP, pero únicamente usted aparece en ‘It’s OK John Joe’. ¿Era algún tipo de cláusula o simplemente surgió así?
Se trata simplemente de que las demos sonaba muy bien como estaban, con el saxo tenor y la trompeta. No había ninguna razón para cambiar el sonido sólo para que me sirviera. En realidad, estaba tratando de sonar como una cuerna francesa en ‘It’s OK John Joe’.

Me resulta curioso también el orden de las canciones y los títulos tan cortos: ‘Now’, ‘Lost’, ‘Me’, ‘Free’, ‘You’… Parece algún tipo de mensaje en clave.
Nada tan siniestro como lo pintas, me temo. Kevin tiene una visión y creo que es simplemente su forma de hacer llegar un mensaje. Las canciones no fueron escritas en un orden particular, pero cuando vieron el resultado crearon una narrativa. Puede ser visto como una afortunada coincidencia, pero creo que todo salió así por una razón simple no premeditada.

¿Por qué eligieron ‘She got a wiggle’ como single? Realmente mantiene el gusto de la banda, pero puede ser también una apuesta arriesgada.
Creo que ‘She got a wiggle’ es una canción muy buena y pienso que sacar a la luz cualquier canción en estos días es un riesgo, sobre todo si no te han visto o escuchado desde hace mucho tiempo. No está garantizado el éxito a menos que seas Take That o Justin Beiber.

¿Ve futuro a la continuidad de la banda sin presiones o enfrentamientos?
Espero que continúe por mucho tiempo. Yo no creo que haya ninguna presión sobre nosotros. Somos más viejos y más sabios y aceptamos que haya que trabajar duro para ganar éxito. De todas formas, nos gusta provocar estos enfrentamientos, así que no es un problema.

¿Y usted? ¿Cómo espera que la gente reciba el disco?
Toda persona con la que he hablado sobre el disco y lo ha escuchado “se pone”. La música es genial, la voz de Kevin y las canciones son mejores que nunca. Es tan teatral y tiene una dimensión tan extraordinaria que la gente ha esperado mucho tiempo para ello se va a encontrar con una grata sorpresa. La gente puede sentirse identificada con este disco porque todos hemos pasado por el “amor”, la búsqueda de “mi identidad” y porque nos gusta escuchar los problemas de los demás. Nos hemos esforzado al 100% en hacer el mejor álbum que se pude lograr, y creo que se puede escuchar y verlo a su vez en directo.

Los News: De sangre caliente.

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“A veces nos descojonamos cuando leemos los grupos con los que nos comparan”.

Hacía tiempo que no se veía un grupo con tanto descaro y que encima hiciera bien su trabajo. Los News vienen de Sevilla y más que ruido, vienen provocando jaleo. Esta banda nace en 2006, formada por Quentin Gas, M. Lucas, Carlos Ortega y Javier Matute para editar algunas maquetas y darse a conocer por el territorio andaluz y parte de España. Pero no tardarían en pegar un golpe en el cristal para decir “aquí estamos y esto os lo vais a comer”.

TEXTO: CARLOS H. VÁZQUEZ

Publicada en Cambio 16 / Nº 2118, 10 Septiembre 2012

¿Cómo va la historia? ¿Sacáis un primer disco y a la gente le gusta o habéis ido amenazando con sicarios por ahí? ¡Va, confesad!
Lo de los sicarios es imposible porque después del dinero que nos ha costado el disco, ¡estamos en bancarrota! Y todo el mundo sabe que los sicarios cuestan un pastón, de ese tema saben mucho los gobiernos, la CIA… Y si no, pregúntale a la familia de Stanley Meyer.

Pero ahora en serio. La primera vez que escuché ‘I’m in love with the wrong girl’ me dije: “¿¿y no me habré equivocado de CD??”. No sonáis, para nada, a grupo patrio que quiere impresionar con un inglés de Badajoz, cosa que es hasta rara, fijaos lo que os digo.
Bueno, te confesamos que no tenemos un inglés perfecto, ni mucho menos. Lo que pasa es que somos buenos actores y copiamos el acento. Aparte, ayuda el hecho de cantar encima de tus discos favoritos desde que tienes quince años.

La anterior cuestión va hilada con la siguiente: ¿os han confundido con guiris? No será la primera (ni la última) vez que después de un concierto os llegue algún despistado…
Con guiris no, (o eso creemos recordar) pero sí que muchas veces, y recalcamos el adverbio, nos han hecho está pregunta/afirmación: ¿¿¿Que coño hacéis tocando aquí y no en grandes estadios???

Pero antes de nada, hay que puntualizar que Los News no se han formado de la noche a la mañana. De hecho, antes de haber editado nada, le dabais muchísima más importancia a los directos que al trabajo de estudio, ¿verdad?
Sí, reconocemos que antes, nos costaba mucho plasmar nuestra música en las grabaciones, y nos especializábamos en tener buenos ensayos para después darle a la gente un buen espectáculo. Pero eso ha ido cambiando, ahora nos encanta grabar, creemos que le hemos pillado el truco. Atentos a nuestro segundo disco…

De todas formas, son canciones que se trabajaron muchísimo en el directo para llevarlas al estudio. No sé si serán muy antiguas (no lo parecen) o el material fue saliendo sobre la marcha.
Muchas de ellas son antiguas, otras menos antiguas, y otras fueron compuestas en vistas a la grabación. Hay un poco de todo. Pero lo que tienen en común es que antes, todas, fueron tocadas en directo.

¿Se dejó mucho espacio a la improvisación? Vuestro carácter tiende a ser más anárquico…
Bueno, antes de la grabación hubo una pre-producción, uno de los mayores trucos que hemos descubierto en esta grabación, (recomendación obligatoria para todas las bandas que leáis esto). Ahí sí que hubo algo de improvisación, y mejora en las canciones, estructuras, etc. Y durante la grabación también hubo algo de improvisación. Por ejemplo, cambiamos completamente una letra. ‘Time to move blues’ antes se llamaba ‘Wasted time blues’. Se cambió un día antes de ser grabada. Esas cosas le dan más emoción…

¡¡Y todo por haber visto a Iggy Pop en directo!!
Pieza fundamental de todo nuestro rollo. ¡Maldita sea! Tuve que quedarme en The Beatles, ahora podríamos ser un grupo Pop con letras fáciles y absurdas. PD: amamos a The Beatles.

Bueno, y la cabezonería y constancia de Quentin… Me da la sensación de que sin esa mentalidad no habría llegado a nada el proyecto.
Quentin y M. Lucas montaron la banda, lo tenían claro desde el principio. En cada grupo siempre hay alguien que empuja a los demás, o que les hace ver lo buenos que son, que somos, y después todos se contagian de esa energía, y aquí, quizás, en nuestro caso es Quentin.

Pese a todo, y desde el 2006, ya se mostró alguna que otra maqueta… ¿me equivoco?
Sí, llevamos grabando desde los pocos meses de montar la banda. Son horribles, deberías oírlas… ¡o mejor no! (Risas)

¿Qué tal funcionaron esas grabaciones “caseras” a nivel local?
No sirvieron de mucho, más que nada, nos servían a nosotros para aprender a estar en un estudio. Ganar experiencia.

Incluso apareció algo más oficial bajo el título de “Play here to hurt”… Eso sí, formato EP, para no desgastar el material.
Se puede decir que es nuestra primera grabación en serio de hasta el momento. Esta sí nos sirvió para hacernos un hueco en la escena independiente sevillana.

Después llegó “Poetry & music from the south revolution”. Ya era un trabajo prometedor y las cosas estaban bastante claras, ¿verdad?
No sé si bastante, pero sí algo mas. Esto es como todo Charly, cuanto más haces una cosa mejor te sale, cuanto más te metes en un estudio, mejor grabas, cuanto más haces el amor, mejor te sale… etc.

El primer EP se presentó en Enero del 2009 y el segundo se empezó a grabar en Octubre del mismo año. ¿Había prisa o qué?
Pues tenemos un dicho, y es que si una grabación no nos ha ayudado a “triunfar” no te quedes mucho tiempo con ese material. Tenemos que grabar más, hasta encontrar esa grabación que nos ayude a poder vivir de la música.

Sin olvidar que os llamabais The News y no Los News. Es un pequeño detalle, pero es posible que tuviera algo de importancia para vosotros.
Pues por ser tú (y que conste que nunca lo hemos contado en un medio de comunicación) te vamos a contar de donde sale el nombre de The News. Viene de The New Sugar Plum Fairy. Cuando solo éramos Quentin y Lucas, nos llamábamos Sugar Plum Fairy (“Anthology 3”, The Beatles). Un día averiguamos que el hermano de uno de los cantantes de Mando Diao, tenía un grupo con el mismo nombre, entonces nos desilusionamos con el nombre. Después, alguien dijo “¿por qué no os llamáis The News Sugar Plum Fairy?”. A Quentin se le encendió la bombilla y dijo: “Ok, solo The News. Los eternamente nuevos. Y no Las Noticias, como se cree todo el mundo”. ¡Menudo regalo que te acabo de hacer! (Risas)

Y si uno es muy avispado puede ver en la SG de Quentin la pegatina de The News, mientras que en la batería ya aparece el nombre actual. Parece una chorrada mínima, pero por una letra The Beatles se llamaron como se llamaron.
Eso solo es porque le tengo cariño a esa pegatina, y me recuerda a tiempos pasados. Nuestra manager Fanny Mata, me aconsejó que me la quitara, pero no le hice caso, (risas). En todo lo demás sí que le hago caso.

Imagino que haber contado con Charlie Cepeda en la producción de “Poetry & music from the south revolution” influyó notablemente para que también se pusiera a los mandos de “Automedication”, este, vuestro último y primer LP.
Eso fue definitivo. Colaboró en un par de canciones y en la producción de una, y nos dimos cuenta de que era la persona perfecta para nuestro próximo disco. Y así fue y así ha sido.

Siendo un productor que ha trabajado más el “spanish southern sound” que el Rock and Roll.
Los que pasa con Charlie es que, quizás, cara el gran público se le conoce por ese sonido que tú dices, algo de lo que él está muy orgulloso, porque ha encontrado su sonido, algo que no todos los músicos hacen. Pero Charlie, aparte, es una de las personas más rockeras clásicas que puedas conocer. Por no hablar de su cultura musical…

Añado, por cierto, que hay un par de temas que tienen mucho más Flamenco que Rock and Roll, la gracia está en que esos cortes no aparecen en el LP.
Sí, por ejemplo ‘Words’, una canción de Lucas. Aunque desde fuera se nos vea una banda de Garage clásico, nos encanta experimentar con otros ritmos, melodías. Sería pues muy aburrido hacer siempre lo mismo. Y la dejamos fuera, sí, pero puede que la rescatemos para próximas grabaciones. ¿Quién sabe?

Supongo que os pondrían al lado de bandas como Franz Ferdinand o The Strokes… cuando vosotros tenéis una tendencia natural al Garaje sixtie, por ejemplo. ‘Stupid! It’s all a lie’ es lo más cojonudo que he podido escuchar.
A veces nos descojonamos cuando leemos los grupos con los que nos comparan. Pero bueno, al igual que hay gente que dice que son artistas y se atreven a subirse a un escenario, también hay gente que dice que son periodistas. Tú de esto tienes que saber bastante… Y respecto a ‘Stupid!’; sí, la verdad que estamos muy orgullosos de esa canción.

Así, a pelo, podría decirse: “mirad, vienen desde los años sesenta sin hacer el hortera en los ochenta”.
¡Muerte a los 80! Solo se salva el primer disco de Iron Maiden y Joy Division.

No inventáis nada, claro, ¡pero coño! ¿Quién puede inventar algo nuevo?
Solo Radiohead, dejamos que ellos inventen, nosotros hacemos lo nuestro, que es Rock and Roll, y como mucho, en un futuro, mezclar ritmos como Pop, Rock y Flamenco, porque nos llama mucho la atención. Pero no pretendemos inventar nada.

‘Time to move blues’ hace referencia al ‘Maybelline’ de Chuck Berry y ‘Spend all our time making love’ al ‘Cumpleaños total’ de Los Planetas. Aunque esas referencias más bien son frases básicamente.
Sí, son solo frases, no hay nada musical en esas referencias. Lo de ‘Maybelline’ es un obligado homenaje al padre del Rock, y la frase de Los Planetas es porque nos gusta esa frase y también para llamar la atención. Nos pirra llamar la atención (risas).

Lo curioso es, que aunque ambas bandas distan tanto en tiempo como en estilo, guardan un punto en común, que es, lo que creo, fiel reflejo de vuestro sonido en directo: el movimiento y la fiesta.
Si, básicamente lo que queremos conseguir en nuestros directos es que la gente se lo pase bien, pero también darles un mensaje, nos gusta también concienciar. Nos gusta decirles que no se queden parados con borregos. Nos gusta decirle que es hora de moverse (It’s time to move motherfuckers). Nos gusta decirles que otro mundo, otro tipo de sociedad, es posible.

La tierra… y la sangre, pues se ha descubierto que algunos de vosotros sois familia del desaparecido Silvio y de La Niña de los Peines, respectivamente.
Pues sí, la tierra tira y mucho. Quentin es familia de Silvio y Javier Matute es familia de una de las familias más grades que ha dado el Flamenco, los Pavón, de donde es La Niña de los Peines. Así que imagínate si tira.

Además de sangre y tierra… hay sudor. ¿No se os ha ocurrido inmortalizar un directo vuestro? MC5 debutaron con “Kick out the jams”, un disco en directo…
Pues no eres el primero en decir esto. Mucha gente piensa que nuestra mejor arma es el directo, entonces nos aconsejan que hagamos un disco en directo. La idea es muy apetecible y llamativa, y estoy casi seguro que algún día lo haremos.

Bueno, ya hemos hablado antes de que no había prisa, pero más vale pájaro en mano que ciento volando…
Gracias Charly por esta gran entrevista. De las mejores del momento. ¡Interesante y entretenida!