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Mark Olson: Oír, ver y callar.

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“Mi creatividad comienza al despertarme cada mañana”.

Cuando la música se quita el grillete del negocio, queda el arte desnudo. Simplemente una guitarra y una voz, tal y como lo hacían los trovadores contando historias de pueblo en pueblo. Mark Olson presenta su segundo trabajo en solitario (que además firma bajo su nombre) tras “The salvation blues” (Hacktone Records, 2007). Dicho artefacto ha sido producido por Beau Raymond (Chris Robinson, Devendra Banhart) y se titula “Many colored kite”. Editado bajo el sello Rykodisc, el artefacto conjuga la esencia poética del folk británico con la rigidez del folk americano a lo largo de once cortes. Catorce, en la edición en vinilo. Un long-play de bella factura que ha sido tratado cual pieza artesanal tanto por Mark Olson, como por Ingunn Ringvold, otorgándole una inmensa delicadeza femenina a los temas.

TEXTO: CHARLY HERNÁNDEZ.
FOTO: LEE CANTELON.
Publicada en Paisajes Eléctricos

Éste es el segundo trabajo que firma con su nombre tras “The salvation blues”. ¿Qué le aporta esta serie de proyectos por su cuenta?
He querido hacer un segundo disco muy sencillito con la voz de Ingunn Ringvold, el djembe y la guitarra. Realmente, ahora mismo no me interesa entrar en la onda de una producción mayor.

También le otorgarán cierto grado de libertad, ¿no? De hecho, el corte que abre “Many colored Kite” se titula ‘Little bird of freedom’. ¿Se siente entonces como un pájaro en libertad?
Exactamente. Este segundo trabajo lo he querido hacer solo con Ingunn y un técnico de sonido, sin que hubiese nadie detrás relacionado con el negocio musical. Puedo decir que he tenido total libertad para hacer lo que me ha dado la gana.

Instrumentalmente, mezclar instrumentos como el dulcimer o el djembe a la armonía de las voces tuvo que ser una exploración satisfactoria tanto para usted como para su pareja, Ingunn Ringvold. Nada como compartir pequeñas experiencias para hacer de esto una gran unión creativa y sentimental. El resultado es claro y abierto.
Es eso que estamos hablando, la búsqueda de una música mucho más pura. He querido quitarme del sonido de la guitarra eléctrica, de la batería con mucho bombo y cosas así. Este disco es muy fluido y sencillo, con mi voz, la de Ingunn, el djembe… para mí es el mejor trabajo que he podido hacer.

Un disco desnudo, vaya.
Sí. Además estoy experimentando una nueva manera de trabajar. Quizá después de este disco trabajaré con alguien para utilizar el ordenador y tener una línea un poco más electrónica, para así mezclar el sonido acústico con lo electrónico.

También se mezcla el estilo lírico del folk británico con la estructura del folk americano. ‘Morning dove’ es el mejor ejemplo, a mi modo de ver. Como si Nick Drake se encontrara con Townes Van Zandt. ¿Qué diferencias encontró usted entre estas dos maneras de hacer folk?
Esta es una pregunta muy buena, me encanta. El folk británico tiene unos acordes distintos, más melancólicos. El folk americano es más recto y directo. Townes Van Zandt es “americano-americano-americano”, más estricto. En cambio, la música de Nick Drake es muy clásica y más melancólica, con altibajos.

¿Música algo más “down”?
Si, así es. Melancólica. Pero es algo bello, muy bello. Townes Van Zandt hace un folk que mezclado con el de Nick Drake resultaría una mezcla muy interesante.

Si no me equivoco, también colaboran Neal Casal y Danny Frankel. No ha escatimado en amigos pese a ser un disco bastante desnudo.
¿Has escuchado a Danny? Es un gran batería. Muy inteligente, siempre piensa en grandes ideas. Neal es un músico impresionante que toca la guitarra de una forma preciosa. Para mi las colaboraciones son muy importantes. Primero escribo la canción -junto con la guitarra- y después vinieron Danny y Neal con sus propias ideas. Este tipo de mezclas conjuntas son muy interesantes.

Pero es cierto que los locales de música folk en Gran Bretaña están desapareciendo.
No, no. El folk está muerto, ¿ok? [Risas].

¿De verdad?
Bueno, la gente piensa que el folk está muerto. Creo que yo soy el único de por allí que sigue pensando que es una música muy buena, mientras que los demás están con el rock and roll.

Se le ve feliz cuando habla sobre este trabajo. ¿Quizá esto refleja que está usted en un buen momento de su vida?
Realmente yo disfruto y me divierto tocando mi música. Seguiré haciendo esto que hago y continuaré experimentando porque es lo mejor que puedo hacer. Además resulta muy agradable compartir y colaborar gente interesante. Pienso que todavía hay futuro.

Puede ser que esté en un buen momento para desarrollar su inquietud apartándose de The Jayhawks y Creekdippers ¿Son necesarias para usted estas etapas creativas?
Mi creatividad comienza al despertarme cada mañana. Durante ese tiempo puedo escribir, tocar… al igual que he tocado con The Jayhawks, Creekdippers o con Ingunn Ringvold. Esto es lo que da sentido a mi vida.

Ahora que lo pienso, ‘No time to live without her’ puede tener cierta relación con esto que comenta.
Si, exactamente. A día de hoy es lo más importante para mí. Cuando era más joven experimentaba por todos los caminos, no paraba de tocar por donde iba… ¡llegué a pensar que estaba loco! [Risas]. Ahora que lo veo con la edad, me he tranquilizado mucho más. Me interesa quedarme en el estudio de mi casa y ser todo lo creativo que pueda.

Además se aproxima el nuevo y esperado disco de Jayhawks desde “Tomorrow the green grass”, sin contar “Ready for the flood” que fue entre usted y Gary Louris. ¿Cómo ha sido este reencuentro con la formación original?
Personalmente pienso que tocar al lado de Gary es algo muy gratificante. No me importa tocar con una gran banda, pero mi preferencia es la de dos guitarras y dos voces. A esa forma de tocar y de expresarse le encuentro más sentimiento, como en “Ready for the flood” con Gary o ahora con Ingunn Ringvold. Pero no entiendo a la gente que quiere tocar con cuatro músicos más.

Vamos, que le gusta tocar del mismo modo que lo hacían Simon and Garfunkel.
¡Me encantan Simon and Garfunkel! En especial la canción ‘Bridge over troubled water’, la adoro. Es una música preciosa. Mi madre siempre ponía esa canción de Simon and Garfkunkel en un pequeño tocadiscos durante el verano, para poder dormir. Era y es algo precioso, sin duda. Si, me gusta mucho ese estilo y como suenan así las voces y las guitarras

Gary dijo que con este proyecto quieren hacer el mejor disco de la historia de The Jayhawks. ¿Son conscientes de la presión que puede haber generado toda esta expectación?
Hombre, yo no pienso que un disco vaya a ser mejor que otro. Pero con Gary surge una creatividad muy, muy buena. Me interesa hacer cosas diferentes, pero no pretendo hacer algo mejor a los anteriores trabajos que hayamos hecho. Realmente cuando entro a tocar tanto con Gary como con Ingunn, es para hacer cosas diferentes.

De hecho, este nuevo disco se mezcló en los Wavelab Studios, en Tucson, un lugar especial.
Oh, si, desde luego. Además Craig Schumacher es un gran técnico de sonido. Muy bueno. Es un tipo versátil porque ha trabajado mucho con grupos clásicos. Sin duda alguna, el trabajo con el ha sido excelente.

¿Os influye el entorno a la hora de grabar o de componer y en especial con los nuevos temas?
No especialmente. Antes de entrar al estudio ya teníamos la música creada porque todo está en mi cabeza. En el estudio estoy más pendiente del tempo de la canción, del ritmo, la melancolía… y de todo eso. Supongo que parte del negocio no se queda dentro del estudio, porque ahí se ha creado música que se graba. Ya te digo, me preocupan más otras cosas como el tempo, la forma que van tomando las canciones…

¿Hay título?
Sí. “Mockingbird time”. Además, también es el título de una de las canciones del disco.

Al final… no hay nada como volver al hogar.
¡Pero tu casa puede ser cualquier lugar! [Risas]. Está muy bien eso de volver a casa, pero también es muy bueno pensar que cualquier sitio donde estés es tu casa. ¡Todavía estoy buscando mi casa! [Carcajada]. De momento y hasta que la encuentre… seguiré por el camino de la música.


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